EN PRIMERA PERSONA

Por los siglos de los siglos, amén.

–La chismosa continúa mintiendo

“A Hitler no le gustaban los detalles burocráticos,

leer demasiados documentos. Hitler se sentía por encima de la ley.

La ley era una serie de restricciones artificiales a su libertad de acción”.

El profesor sir Richard Evans en la serie inglesa Rise of the nazis (2019).

 “Lo único que yo hago es ver asombro donde los demás ven costumbre”.

Jorge Luis Borges.

“Les he dado mi vida”, suele decirle Mirtha Legrand a sus fans. Parafraseándola, podría argumentar que, a punto de cumplir 81 años, he dedicado aproximadamente 50 a la investigación de la historia del cine argentino, casi siempre ganándole tiempo a mi trabajo formal como periodista y crítico de cine. Y cuando digo investigación no la reduzco a la colección del Heraldo, de La Película, de Imparcial y de Excelsior: no, me refiero a revisar no menos de tres diarios desde el 1.1.1910 en adelante, día a día, incluyendo otras secciones, con especial detenimiento en la cartelera de cines y teatros, tarea que me insumió muchos de esos 50 años. En todo este ya demasiado lapso, hay un solo asunto que en verdad me pone nervioso al punto de la irritación cercana a la furia: una información errónea (bad information, como dijo una mujer que está presa por ladrona) que se transmite a lo largo de los años como si fuera verdadera. Pasó, por dar un ejemplo representativo, con el affaire Romero-Gardel-Thorry y El caballo del pueblo.

   Hoy será exhibido en un microcine de la Boca La chismosa, film producido por Lumiton en 1938 con Lola Membrives de protagonista. La gacetilla anunciándola recuerda que “fue exhibida el 7 de septiembre de 1939 con el título La Pettezola en la VI edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, fuera de concurso y en carácter no oficial, pese a la negativa del Instituto Cinematográfico Argentino. Obtuvo una Copa de Plata (Copa Volpi) otorgada por el Ministerio de Cultura Popular y el Instituto de Cinematografía italianos”. Y es este párrafo el que me puso los pelos de punta, porque 88 años más tarde una información equivocada continúa siendo difundida sin que nadie se tomara, ínterin, la molestia de corregirla. Yo lo hice, ya hace mucho tiempo, aunque no tuve dónde publicarla: el que sigue es el resultado.

José Olarra, Lola Membrives,

Augusto Codecá, Luis Arellano y Germán Vega

   Alguien, con seguridad su melómano (y megalómano) director Enrique Susini, difundió en su momento aquel dato, publicado en el Heraldo 1938, pág. 213 (“...ha recibido un premio oficial de la Cinematografía Italiana: una copa de plata otorgada por la dirección de la misma”), y desde entonces repetido sin pudor ni interés alguno por confirmarlo, al punto de que en septiembre 1988 el diario La Nación dedicó un importante artículo –sin firma– al cincuentenario de tan magno acontecimiento, indicado como “el primer premio internacional obtenido por un film argentino” y agregando por su cuenta y riesgo que fue otorgado por “el Ministerio de Cultura Popular y el Instituto de cinematografía italiano”.

   Sin embargo, en ocasión de la edición 1985, el mismísimo Ente Autonomo La Biennale di Venezia del que depende la Mostra publicó un voluminoso libro titulado Tutti i film di Venezia 1932-1984, en el que su recopilador, Ernesto G. Laura, ofrece año por año un riguroso, minucioso listado de títulos, secciones y premios, cuya seriedad está fuera de duda no sólo por el prestigio de Laura sino también porque despliega información oficial. En el libro, que mi amigo Ernesto Pérez me trajo de regalo desde Roma, consta que ese año 1938 La chismosa fue presentado a concurso y que un jurado internacional presidido por Giuseppe Volpi di Misurata e integrado por dieciocho personalidades –entre ellas el realizador brasileño Humberto Mauro– entregó los siguientes premios:

• Grande Trofeo d’Arte della Biennale al estadounidense Snow White and the seven dwarfs (Blanca Nieves y los siete enanos, NN, producción Disney, 1937);

• Coppa al francés Prison sans barreaux (Cárcel sin rejas, Léonide Moguy, 1937);

• Coppa della giuria internazionale alla selezione dei film francesi;

• Coppa del Ministero dell’Educazione Nazionale per la migliore regia a Carl Frölich por el alemán Heimat (Magda, 1938);

• Coppa del Ministero della Cultura Popolare (Direzione Generale della Cinematografia) al japonés Go-nin no sekkonei (Tomotaka Tasaka, 1937);

• Coppa Mussolini per il miglior film, compartida por el alemán Olympiad –1. Fest der schönhet– (Olimpia –Los dioses del estadio–, Leni Riefenstahl, 1937) y el italiano Luciano Serra pilota (El último vuelo, Goffredo Alessandrini, 1938);

• Coppa del Partito Nazionale Fascista per il miglior film italiano a Giuseppe Verdi (La vida de Verdi, Carmine Gallone, 1938);

• Coppa del Partito Nazionale Fascista per il miglior film straniero al estadounidense The adventures of Tom Sawyer (Las aventuras de Tom Sawyer, Norman Taurog, 1937);

• Coppa Città di Venezia al inglés The drum (La llamarada, Zoltan Korda, 1937-1938);

• Coppa Volpi per il migliore attore a Leslie Howard por el inglés Pygmalion (Pigmalión, Anthony Asquith y Leslie Howard, 1938);

• Coppa Volpi per la migliore attrice a Norma Shearer por el estadounidense Marie Antoinette (María Antonieta, W. S. Van Dyke II, 1937-1938);

• Coppa Istituto Luce per il miglior film presentato da una nazione a produzione limitata al checo Cech panen kutnohorských (Otakar Vavra, 1938);

• Medaglia di segnalazione per la regia al francés Quai des brumes (El muelle de las brumas, Marcel Carné, 1938), el alemán Urlaub auf ehrenwort (Licencia bajo palabra de honor, Karl Ritter, 1937) y el suizo Michelangelo –La vie d’un titan– (Curt Örtel, 1938);

• Medaglia di segnalazione per il complesso artistico al mexicano Allá en el rancho grande (idem, Fernando de Fuentes, 1936), a los estadounidenses Jezebel (Jezabel, la tempestuosa, William Wyler, 1937-1938) y Vivacious lady (Al fin solos, George Stevens, 1938) y al sueco En kvinnas ansikte (La que vendió su alma, Gustaf Molander, 1938), así como a dos cortos, el belga Thèmes d’inspiration (Charles Dekeukeleire, 1938) y el húngaro La caza en Hungría (sin mención de título original ni director);

• Medaglia di segnalazione per l’interpretazione a Heinz Rühmann por el alemán Der mustergatte (Un marido modelo, Wolfgang Liebeneiner, 1937), a Ludvik Solski por el polaco Geniusz sceny (Romuald Gantkowski, 1938) y al elenco del estadounidense The rage of Paris (Escándalo matrimonial, Henry Koster, 1938);

• Medaglia di segnalazione per la recitazione al italiano Hanno rapito un uomo (Han raptado un hombre, Gennaro Righelli, 1938);

• Medaglia di segnalazione per il soggetto al inglés Break the news (Un muerto que huye, René Clair, 1938);

• Medaglia di segnalazione per i tecnici al italiano Sotto la croce del Sud (Guido Brignone, 1938) y el estadounidense The Goldwyn follies (Las follies de Goldwyn, George Marshall, 1937);

• Medaglia di segnalazione per i documentari al corto holandés Nederland (director no indicado);

• Medaglia per il complesso artistico al alemán Fahrendes Volk (Jacques Feyder, 1937);

• Medaglia al corto alemán Natur und technik (Ulrich K. T. Schulz, 1938);

• Targa per il miglior cortometraggio a soggetto al francés Karakoram (Henri de Ségogne, 1937), el italiano Armonie Pucciniane (Giorgio Ferroni, 1938) y el húngaro Sv. István (director no mencionado);

• Targa per il miglior cinegiornale di attualità compartida entre el francés Voyage en France des souverains britanniques (Roger Weil Lorac, 1938), el alemán UFA Wochenschau (1938) y el inglés Review of the year (1938);

• Targa per il miglior film educativo e scientifico compartido entre el corto alemán Der bienenstaat (Ulrich K. T. Schulz y Wolfram Junghans, 1938) y el italiano Un mondo meraviglioso (Roberto Omegna, 1938);

• Targa per il miglior documentario al corto italiano Nella luce di Roma (director no indicado, 1938) y al mediometraje estadounidense The river (Pare Lorentz, 1937).

   El representante argentino, está clarísimo, no obtuvo premios ni menciones en la 6º Mostra –que se desarrolló en 1938 y no en “septiembre de 1939”–, y tampoco figura en el libro como La pettezola sino como La chismosa. Pero la tal newsletter depara otra sorpresa cuando escribe: “La chismosa de Luis Marquina y Enrique Telémaco Susini”. Aparte el hecho de que la PC en la que fue escrita parecería carecer de caracteres en bastardillas y de las usuales comillas, los títulos de crédito dicen que el director fue Susini (que nunca utilizaba su segundo nombre, remplazándolo por la inicial) y Marquina apenas “director adjunto”, que no es lo mismo que “director” porque en tal caso ese crédito lo hubieran compartido. Al respecto se pronunció Marquina mismo, en entrevista con Carlos Fernández Cuenca por Radio Nacional de España en el seno de su revista cinematográfica Fotogramas, a comienzos de 1943, transcripta en El cinema de Luis Marquina, pág. 127: “–Si no me equivoco, después de El bailarín y el trabajador [idem, 1936], que tuvo un éxito enorme, trabajaste en Buenos Aires. –Es que la guerra me sorprendió en Madrid, y después de muchos trabajos conseguí el pasaporte para la República Argentina, donde estaba entonces mi padre. Allí hice varias adaptaciones y guiones y dirigí una película, en colaboración con Enrique Susini, que tenía a Lola Membrives como protagonista. La chismosa era su título. Susini, que luego resultó un excelente director de películas, procedía del campo teatral, tenía mucho sentido del cine, pero carecía de la base técnica del oficio. Y me confiaron la misión de conducirle en sus primeros pasos, como colaborador en la realización del film. Después me pidieron que hiciese lo mismo en otra película, Así es la vida [Francisco Mugica, 1939] de la que ya había escrito el guión, pero renuncié a ello para volver a España”.

   Inevitablemente, no estaré en pie dentro de 88 años y por lo tanto no sufriré otro ataque de nervios porque, estoy seguro, alguien entonces volverá a escribir sobre el “premio a La chismosa en Venecia 1939”.

PERFILES

Gente del cine

El hombre de Löwe

“En el cine argentino de todos los tiempos no creo que lleguen a sumar treinta las películas producidas por productores que no fueran al mismo tiempo sus directores o capitalistas o dirigentes de la empresa productora”, estimó Domingo Di Núbila en su canónica Historia: “El productor propiamente dicho, ese elemento-eje cuya misión específica y única es producir un film, apareció entre nosotros con el Zavalía de Su primer baile. Casi enseguida, Manuel Peña Rodríguez fue contratado por San Miguel, donde produjo Juvenilia y Cuando la primavera se equivoca. A pesar de estos buenos resultados, casi nunca volvieron a emplearse productores”, agregó. “Entre las pocas excepciones” incluye a Manuel M. Alba (Manuel Miguel Alba; 4.9.¿? / ¿?), “el que más llegó a trabajar de todos”.

   Sus primeros contactos con la industria se registran en 1944, cuando suplantó a Mendy en la jefatura de Publicidad de la distribuidora Pampa Film SA durante la gestión de Jaime Prades como gerente general. Por supuesto, su nombre no figura acreditado (NA) en los títulos que lanzó en su breve período, luego del cual continuó en la empresa en tareas generales. Cuando Pampa fue absorbida por Emelco SAIC, Alba se convirtió en la mano derecha de su presidente, Curt G. Löwe, en particular cuando esta compañía decidió sumar la producción de largometrajes a su habitual actividad con publicitarios, documentales y noticiarios. Así, Alba figura como director de producción (DP) de varios de sus largometrajes: en calidad de productor (P) sólo aparece en un solo título, La novia de la Marina, detalle que, no obstante, no invalida la apreciación de Di Núbila.

   Cuando Löwe colisiona con el gobierno, Emelco le es apropiada por las huestes de “ay Juancito” y su fundador debe trasladar sus actividades a Chile y Uruguay, Alba es contratado por Estudios San Miguel, donde sí se lo acredita como productor de cuatro de sus films, entre ellos el gran éxito de taquillas La barra de la esquina, del que, además, fue uno de sus guionistas; ese guion fue utilizado años más tarde por Norberto Aroldi como base de su propio guion para Los muchachos de mi barrio, que perpetró Enrique Carreras en 1968-1969. En 1951 pasó a Establecimientos Filmadores Argentinos SA, donde produjo otros cuatro, culminando su vinculación con la industria en 1954, como supervisor de producción (SPVP) de apenas un título de la Guaranteed Pictures de la Argentina-Jaime Cabouli SRL.

28.4.1948: Amedeo Nazzari llegó a BA y es recibido

en el puerto por Aldo Fabrizi, Ave Ninchi, Löwe y Alba

   Alba estuvo ligado a la TV desde los inicios de ese medio en el país en 1952. Un seguimiento a la valiosa colección de libros que sobre su historia investigó Jorge Nielsen registra su nombre a partir de 1954, cuando con José Ramón Luna firmaba los libretos del ciclo folklórico La huella eterna. Fue director artístico del Canal 9 de TV desde su inauguración en 1960, recuperando así la asociación con su “patrón” en Emelco, y durante su período allí logró dos hitos: el invento del personaje llamado “Piluso”, que en 1960 catapultó a la popularidad a Alberto Olmedo, y el haber dado vía libre a Nicolás Mancera para poner en el aire en 1962 sus Sábados circulares. En su pionero libro Los que hicieron 25 años de TV argentina –¿Protagonistas o ilusionistas?– (1977), Gregorio Santos Hernando opinó que Alba “mucho aportó a la televisión argentina con talento y dedicación”. Hacia finales de la década de los 60 volvió a asociarse con Löwe como gerente de Promoción y Relaciones Públicas de Löwe Argentina SACIFI de Cinematografía y Televisión y desde 1969 fue el presidente de la Cámara Argentina de Empresas del Film Publicitario Argentino.

   Completando una vida cuya exposición pública fue prácticamente nula excepto para la gente del cine y la TV, ha sido imposible encontrar sus datos de filiación. Tal vez menos por su aporte específico a títulos individuales que por su estatura institucional en el show business, Alba sería considerado –utilizando un término actual– un grosso de la industria.

Castillo y Norma Giménez en

Buenos Aires, mi tierra querida...

Filmografía:

[¡Achtung!: el nunca bien ponderado sitio web IMDb ofrece, en la entrada “Manel M. Alba”, sólo algunos de sus trabajos para el cine; en otra, rotulada “Manuel Alba (I)”, lo entremezcla con un actor español, y aun así del argentino sólo suministra dos títulos, entre ellos uno en el que no intervino].

Pampa: La casta Susana (Benito Perojo, 1944: PUB NA), Se abre el abismo (Pierre Chenal, 1944: PUB NA) y Despertar a la vida (Mario Soffici, 1944: PUB, NA) – Emelco: El retrato (Carlos Schlieper, 1947: DP, acreditado como M. Alba), Siete para un secreto (Carlos Borcosque, 1947: DP), El barco sale a las 10 (Francisco Mugica, 1947: DP), La caraba (Julio Saraceni, 1947: DP), La Hostería del Caballito Blanco (Perojo, 1947: DP), El tambor de Tacuarí (Borcosque, 1948: DP), La novia de la Marina (Perojo, 1948: P y G, sobre la pieza teatral Susana tiene un secreto, de Honorio Maura y Gregorio Martínez Sierra), Tierra del Fuego –Sinfonía bárbara– (Soffici, 1948: DP), Vidalita (Luis Saslavsky, 1948: DP), Se llamaba Carlos Gardel (León Klimovsky, 1948-1949: DP), La barca sin pescador (Soffici, 1949: DP) y Fascinación (Schlieper, 1949: DP) – San Miguel: La barra de la esquina (Saraceni, 1949-1950: P y G, con Carlos A. Petit y Rodolfo Sciammarella, sobre la pieza teatral de Carlos Goicoechea y Rogelio Cordone), Buenos Aires, mi tierra querida… (Saraceni, 1950: P y, con Carlos A. Petit, ARGM y G), Los árboles mueren de pie (Schlieper, 1950: P) y El hermoso Brummell (Saraceni, 1950-1951: P y, con Abel Santa Cruz, ARGM y G) – EFA: La última escuadrilla (Saraceni, 1951: P y, con Abel Santa Cruz, ARGM y G), Bárbara atómica (Saraceni, 1951-1952: P y letrista de la canción Pavaditas, con música de José Forlich), El infortunado Fortunato (Enrique Cahen Salaberry, 1952: P) y Misión en Buenos Aires / Misión extravagante (Ricardo Gascón, A/E, 1952: P, NA) – Guaranteed: Por cuatro días locos (Saraceni, 1953: SPVP) – Y además: Historia del Opera (NN, 1956, corto: SPVP).

 

El contador venido a más

La empresa productora Artistas Argentinos Asociados SRL fue fundada a fines de 1941 y su primer largometraje, El viejo hucha, rodado entre marzo y abril 1942. Se ignora si ya figuraba en el plantel de largada, pero el Anuario Cinematográfico 1944 de Cine Prensa, en la entrada de esa compañía, registra como su contador a Antonio José García, hombre que, más adelante, será mejor conocido en el gremio como Antonio García Smith (Antonio José García Smith; Buenos Aires, 6.2.1910 / 8.6.1967). Oscuramente, como todo administrativo de cualquier empresa, permaneció en su escritorio viendo pasar, en números y de vez en cuando en persona, a sus insignes patrones (Enrique Muiño, Elías Alippi, Francisco Petrone, Angel Magaña, Enrique Faustín y Demare), a los actores y técnicos contratados y a los socios incorporados tiempo después.

Escuela de campeones:

Jorge Rigaud, Silvana Roth y Rolando Dumas

   Hacia finales de esa década los socios originales fueron retirándose, excepto Alippi, que lo fue de facto, por fallecimiento, el 3.5.1942. Con Muiño también emigró García: ambos debieron haber forjado un lazo sólido, puesto que de inmediato conformaron una nueva productora, la Inti-Huasi Sociedad Cinematográfica Argentina SRL, sumando al escritor Homero Manzi. La Inti-Huasi (“casa del sol” en dialecto quechua) arrancó por todo lo alto con una biografía del escocés Alexander Watson Hutton (1853-1936), fundador del Buenos Aires English High School e impulsor del equipo de fútbol Alumni, el primero de la Argentina; Escuela de campeones resultó un film notable y un éxito de cinco semanas en el Broadway y una en el Iguazú. Ya sin Manzi, la empresa produjo Crisol de hombres, guion de Abel Santa Cruz sobre un argumento de Roberto Talice e Ignacio Domínguez Riera adscripto al subgénero services movies, proyecto que atravesó dificultades diversas: en un principio iba a ser dirigido por Domínguez Riera para Irupé, la productora de la que era socio con Talice y con Vicente Chas Madariaga; evaporada Irupé, el asunto fue vendido a Inti-Huasi, que terminó coproduciéndolo con la Lumiton, que lo estrenó tres años más tarde eliminando de los créditos toda mención a la productora original.

Los problemas de papá:

Amalia Sánchez Ariño y Enrique Muiño

   El fracaso de Crisol de hombres determinó el quiebre de Inti-Huasi, no obstante lo cual continuaron unidos en otras dos aventuras. Buscando algo muy “comercial” encargaron a Santa Cruz una comedia servida para Muiño, Los problemas de papá, para cuya concreción el actor se asoció con Germán Szulem y Horacio González Alisedo en una nueva compañía, Norte Film, instalada en Tucumán al 1100 pero disuelta sin haber rodado nada, por lo que Muiño vendió el guion a los Mentasti y éstos lo convirtieron en una de sus producciones serie B, con García Smith figurando como asistente de dirección. Su otra aventura conjunta es el resultado del éxito comercial de la primera, cuatro semanas en el Ambassador. ¡Adiós problemas! fue su lógica continuación aunque, insólitamente, no la produjo Argentina Sono Film sino la Cinematográfica Tacuarí SRL, nueva compañía de ambos más Szulem, con García Smith como productor.

   El ex contador desaparece del radar hasta 1961, ahora asociado a otra services movie: podría decirse que Delito resultó su última aventura cinematográfica y a la vez su opera magna, puesto que firma el argumento con el pseudónimo Manuel Martínez (nombre de uno de los personajes, el periodista que narra la historia): éste había sido anunciado en 1952 por la Inti-Huasi, entonces su título era “Contrabando” e iba a ser dirigido por él mismo.

   En marzo 1962 fue protesorero de la 4ª edición del Festival marplatense, y en noviembre siguiente el Instituto Nacional de Cinematografía lo declaró “persona no grata”, sin dar razones para ello: en esos días era el presidente de la Asociación de Productores de Películas Argentinas, entidad que por unanimidad de sus socios resolvió enviar una nota de queja al INC y ratificar su confianza en el damnificado, pero todo quedó en agua de borrajas. Al mes siguiente estrenó una comedia teatral oportunista, Comanche y la princesa (20.12.1962, Odeón), que firmó como Manuel Martínez y que dirigió Homero Cárpena para la mayor gloria del catcher televisivo conocido como El Indio Comanche. En 1966 fue anunciada la constitución de Signo Film SRL, con Enrique Faustín como socio, pero otra vez no produjo largometraje alguno. Lo sobrevivieron su esposa y dos hijos.

Filmografía:

Escuela de campeones (Ralph Pappier, 1950: P, acreditado como A. García Smith), Crisol de hombres (Arturo Gemmiti, 1951: P), Los problemas de papá (Kurt Land, 1953: AD, acreditado como A. García Smith), ¡Adiós problemas! (Kurt Land, 1954: P, acreditado como A. García Smith) y Delito (Pappier, 1961: ARGM y G con el pseudónimo Manuel Martínez).

YO SE QUE AHORA VENDRAN CARAS EXTRAÑAS

…Y llegaron de Francia

El hombre de Guthmann

En la industria desde inicios de los 40 y hasta diez años más tarde, Jean-Gaston-René-Michel Parret-Renaud (París, 7.11.1910 / ¿?) era abogado y los avatares de la guerra lo empujaron fuera de su país y lo instalaron en la Argentina. Aquí obtuvo la residencia a partir de su casamiento con la hacendada Angela María González Alzaga, y sin registrar antecedentes en el cine de su país procedió a abreviar sus vastos nombres y apellidos al simple Juan Parret e hizo su primer film en 1944 directamente en calidad de productor, sin escalas secundarias. Se titulaba Pacha-Mama y adaptaba la pieza teatral de Amadeo Sirolli, un tostón indigenista que fue la única producción de la Sociedad de Estudio y Realización Cinematográfica (SERC), cuyo dueño era Diego de la Begassière, quien decía ser marqués y detentaba oficinas en un 3º piso de la avenida Corrientes 485. Rodado en localizaciones salteñas, no se han conservado copias, por lo que se ignora en calidad de qué ubicaban a Parret los créditos, aunque toda la documentación existente lo designa como el productor. La SERC anunció para 1944-1945 nada menos que cinco nuevas producciones, canceladas debido al fracaso del debut: “Tres mil pesos”, versión de la pieza teatral de Darthés & Damel; “Zogóibi”, sobre la novela de Enrique Larreta; “Malva”, a partir del relato breve de Gorki; “El proceso del doctor Serra”, sobre un texto original de Waclaw Solskov, y “Las minas amarillas”, según la novela de Adolfo Costa du Rels.

   Pacha-Mama fue distribuido por la Cinematográfica Interamericana SRL en momentos en que la empresa había sido adquirida por Juan José Guthmann, con quien Parret mantuvo una excelente amistad, convirtiéndose en uno de sus hombres de confianza. Su primer encargo concreto fue viajar a México para actuar como una especie de veedor en dos comedias protagonizadas por Luis Sandrini para la Filmadora Mexicana SA (FILMEX) de Gregorio Walerstein, con quien Guthmann hacía negocios: de hecho, la mayor parte de los títulos extranjeros distribuidos por su compañía eran de ese origen. En el primero, La vida íntima de Marco Antonio y Cleopatra, los títulos lo mencionan como “asociado en producción”; en el inmediato El ladrón, como “productor asociado” (PA), que venía a ser lo mismo.

   Parret forjó una sólida amistad con Sandrini, extendida a Daniel Tinayre. Sandrini era, a la sazón, socio de Guthmann en sus films para la Interamericana, y lo instó a contratar a Parret. Así, fue director de producción (DP) en siete títulos de esa empresa en el período 1949-1951: los dos primeros, no por casualidad, eran con Sandrini, en tanto los otros fueron comedias protagonizadas por actores populares como Serrano, Thorry, Salcedo, Zully Moreno y Closas. Y eso hizo hasta que, tan silenciosamente como cuando apareció, desapareció sin más.

Filmografía:

Argentina: Pacha-Mama (Roberto de Ribón, 1943-1944: P) – México: La vida íntima de Marco Antonio y Cleopatra (idem, Roberto Gavaldón, 1946: PA) y El ladrón (idem, Julio Bracho, 1946: PA) – Argentina: El seductor (Bayón Herrera, 1949: DP), La culpa la tuvo el otro…! (Lucas Demare, 1949-1950: DP), Don Fulgencio –El hombre que no tuvo infancia– (Enrique Cahen Salaberry, 1950: DP), Concierto de bastón (Cahen Salaberry, 1950: DP), Mi noche triste (Demare, 1951: DP), Cosas de mujer… (Carlos Schlieper, 1951: DP) y El honorable inquilino (Schlieper, 1951: DP).

 

Un lujo fugaz

Los créditos de su único film argentino indican que la presencia de “Mme.” Rachel Bérendt (Marie-Monique Arkell Robertson; París, 4.5.1893 / 19.1.1957) obedece a una “cortesía de la eminente primera actriz de la Comedia Francesa”. En efecto, Una vez en la vida (Carlos Borcosque, 1941) registra el debut y despedida del cine local de esa notable actriz francesa, ex esposa de Pierre Fresnay, tan prestigiosa que llegó a trabajar en 1929 para el Old Vic de Londres y que ya había actuado en dos oportunidades en la Argentina haciendo teatro, en 1936 en el Colón y en 1938 en el Odeón. Se instaló en Buenos Aires en 1940 e intervino en galas de teatro francés en el Ateneo y en el Maipo. Antes de retornar a Francia concluida la Segunda Guerra Mundial integró el elenco de la producción chilena Fruta mordida (idem, Jacques Rémy, 1944). Fuera de estos dos títulos, Bérendt hizo muy pocos otros, y todos en su país, destacando apenas su aporte al de Bresson Journal d’un curé de champagne (1950), nunca estrenado en cines porteños.

   En La tercera mañana (2010, pág. 89-90), Edgardo Cozarinsky la evoca con estas palabras: “Para mí ese nombre estaba rodeado de cierto misterio. En los años de la guerra, había hecho varias temporadas de teatro francés en Buenos Aires, algo no insólito en tiempos en que una vez por semana, generalmente los lunes, una élite francófila llenaba algunas plateas, conmovida por el sentimiento de estar sosteniendo a artistas que, suponían, habían preferido la incertidumbre del exilio antes que las facilidades de la colaboración. La Berendt también había hecho una única incursión en el cine nacional, como mujer de mundo, inevitablemente francesa, en Una vez en la vida, film de 1942 cuya protagonista era Libertad Lamarque. Google me reveló que en 1950, de vuelta en Francia, había actuado con otro nombre, como Marie-Monique Arkell, en Journal d’un curé de campagne de Bresson. Dos ancianos que me confiaron sus recuerdos coincidieron en la evocación emocionada de un recitado de poemas franceses en el aula magna de la vieja Facultad de Filosofía y Letras, en la calle Viamonte. La había precedido una disertación del profesor Battistesa. Llegado el momento del recital, la Berendt apareció llevando en la mano versos escritos con letra muy grande en hojas sueltas de papel amarillo, que dejaba caer con gestos amplios a medida que las leía; según uno de mis memoriosos, al final el estrado parecía un bosque en otoño... También me contaron que la desaparecida librería Viau, de la calle Florida, había publicado un libro suyo de recuerdos de Sarah Bernhardt”.

 

Música, maestro

El músico francés Paul Misraki (Paul Misrachi; Constantinopla, Imperio Otomano, 28.1.1908 / París, 29.10.1998) comenzó su trayectoria fílmica a comienzos de los años 30 componiendo la partitura de una gran cantidad de films, entre ellos los muy populares On purge bébé (Jean Renoir, 1931), Chéri-Bibi (idem, Léon Mathot, 1937) y Tourbillon de Paris (Tourbillón de París, Henri Diamant-Berger, 1939, que además interpretó junto con Ray Ventura, cuya orquesta integraba).

Au piano, Paul Misraki

   Vivió exiliado en la Argentina entre 1942 y 1945 y aquí firmó además las partituras de media docena de largometrajes industriales así como de la música de una gran cantidad de canciones, entre éstas el popularísimo bolero Una mujer…, compuesto para la comedia musical Si Eva se hubiese vestido de Sixto Pondal Ríos y Carlos Olivari, autores de la letra de ese tema. También compuso la partitura del chileno Fruta mordida (idem, Jacques Rémy, 1944). Algunos posteriores han incluido en su banda musical canciones por él compuestas durante su estancia en el país. Misraki retornó a Francia al terminar la Segunda Guerra Mundial y allí continuó componiendo partituras para films diversos, entre los que destacan La foire aux chimères (Feria de ilusiones, Chenal, 1946), Manon (idem, Clouzot, 1948), Mr. Arkadin / Confidential report (Raíces en el fango, Welles, E/SZ, 1954), La mort en ce jardin / La muerte en este jardín (Buñuel, F/MX, 1956), Et… Dieu créa la femme (…Y Dios creó a la mujer, Vadim, 1956), Les cousins (Los primos, Chabrol, 1958) y Alphaville / Agente Lemmy Caution –Missione Alphaville– (Alphaville, un mundo alucinante, Godard, F/I, 1964.

Fernando Lamas y Zully Moreno en Stella

Filmografía argentina:

Partitura y dirección orquestal de Eclipse de Sol (Luis Saslavsky, 1942-1943: + Mi pequeña canción, con letra de Homero Manzi), Stella (Benito Perojo, 1943: acreditado como Paul Misraky), El fin de la noche (Alberto de Zavalía, 1943), Delirio (Antonio Cunill Cabanellas – Arturo García Buhr, 1943), Siete mujeres (Perojo, 1943-1944: + las canciones Romanza carioca, con letra de Russo do Pandeiro [Antônio Cardoso Martins], O fado é triste canção, con letra de Jardel Jercolis, y María de Bahía), y La importancia de ser ladrón (Julio Saraceni, 1944) – Arreglos y dirección orquestal de La casta Susana (Perojo, 1944) – Viaje sin regreso (Pierre Chenal, 1945: sólo la canción Para siempre, con letra de Hugo MacDougall).

Auguste Vaillant

FILMS

Julio Irigoyen:

Prontuario de un marginal

El cantar de mis penas (1940) – Primer título de los Irigoyen producido por la Filmadora del Plata de Películas Argentinas y distribuido por la Distribuidora Argentina de Films, sellos de su propiedad. Algunas fuentes indican que también habría sido explotado con el título “Un muchacho de la calle”, pero no se ha encontrado evidencia en tal sentido. Resulta muy extraño que El cantar de mis penas no fuera lanzado de manera oficial, habida cuenta de que el inmediatamente anterior (El cantor de Buenos Aires, asimismo protagonizado por Héctor Palacios) concretó una excelente performance comercial: en cualquier caso, no existen documentos acerca del argumento.

TAQ     El lanzamiento nacional tuvo lugar el 12.10.1940 en el cine Cóndor (Rosario, Santa Fe). En la CF no llegó a tener un estreno oficial: algunas fuentes indican que su presentación se habría verificado el 6.9.1960 en el cine Radio City, como complemento: sin embargo, para esa fecha la sala de la avenida Corrientes 2067 ya no existía, ni siquiera bajo otra denominación. En cambio, fue detectado por primera vez en las carteleras porteñas el 3.3.1947, en el Güemes, de Barracas, por apenas un día, fecha que para este trabajo es considerada como la del estreno. Durante el resto de 1947 fue exhibido los días 4.3 en el Radio City; 8.4 en el Güemes; 28.7 en el Imperio; y 25.11 en el Radio City. En 1948, los días 3.3 en el Coliseo Palermo; 25.3 en el Carlos Gardel; 31.3 en el San José de Flores; 13 al 19.5 en el Lorraine; 1.4 en el Capitolio; 12.4 y 5.5 en el Estrella; 20.7 en el Atlantic (Mar del Plata); 4.10 en el Radio City; 11 y 12.10 en el Perla en triple programa con Gran Pensión La Alegría y Academia El Tango Argentino [esto es, La mujer del zapatero]; 3.11 en el Lumière; y 9 al 15.12 en el General Urquiza como complemento de La rubia Mireya (Manuel Romero, 1948). En 1949 fue programado los días 1.2 en el Coliseo Palermo; 18.4 en el Carlos Gardel; 17 y 18.6 en el Eclair; y 3.8 en el Lima. En 1950 aparece exclusivamente en el Lima los días 8.3, 17.5, 14 y 15.11 y 28.12. En 1951, el 1.2 en el Supremo y el 18.6 en el Eclair. En 1958, el 26.2 en el California. En 1960, los días 9.8 en el Alcázar; 10.8 en el Roxy; 6.9 en el Ideal Monroe (en este caso con otro de JI, El fogón de los gauchos); 11.10 en el Loria; y 1.11 en el Gran Avenida (Caseros). En 1961, los días 17.1 en el Soleil; 31.10 en el Nuevo (Valentín Alsina); 15.11 en El Nilo y 22.11 en el Varela. El último registro encontrado de su exhibición en la CF fue en 1962, el 10.1 en el Regio.

 

El alma en un tango (1940) – Resultó ser su último, tardío estreno “oficial”, anunciado a la prensa (con escaso eco) mediante gacetillas informativas.

SIC     Un estudiante de medicina prefiere ser cantor. Triunfa como tal, gracias a la ayuda de un astro del tango, que resulta ser su padre. También lo ayudará éste a salir de apuros financieros, y el muchacho podrá casarse con la joven a quien quiere, después de haberse graduado. [Argumento, en Heraldo del Cinematografista, 25.4.1945].

TAQ     Fue sostenido en el Select Lavalle por apenas tres días, como complemento de La casta Susana (Benito Perojo, 1944). A continuación se registra su paso los días 12.5 en el Metropol; 20.6 en el Cinelandia; 23 y 24.6 en el Cinelandia y el Select San Juan; y 20.8 y 14.11 en el Select San Juan. En 1946 fue exhibido el 1 y el 31.1 en el Select San Juan y el 5, 7 y 8.12 en el Cinelandia. En 1947, los días 20.2 en el Colonial (Avellaneda); 15.4 en el Imperio; 16.4 en el Güemes; 3.6 en el Radio City; 23 y 24.6 en el Select San Juan y el Odeón; 28.8 y 11.12 en el Capitolio; y 18, 20 y 21.12 en el San Telmo. En 1948, los días 14.1 en el San Telmo; 5.4 en el Estrella; 8.4 en el Pablo Podestá; 21.4 en el Estrella; 3.5 en el Cecil; 13.5 en el Capitolio; 27.5 al 2.6 en el Florida; 18.6 en el Lima y el Eclair; 12.7 en el Aesca; 27.9 en el Radio City; 4 al 10.11 en el Gaona, como complemento de La muerte camina en la lluvia (Carlos Hugo Christensen, 1948); y 22.12 en el Electric Palace. En 1949, el 10.8 en el Lima. En 1950, el 30.5 en el Select Barracas y el 12.7 en el Lima. Y en 1951, el 22.6 en el Eclair y el 11.9 en el Select Boedo.

 

El cantar de mis penas
Argentina, 1940
35mm / B&N / Mitchel / 61’ / SR

EQ     CP: Filmadora del Plata de Películas Argentinas. P: Julio Irigoyen y Roberto Irigoyen. D: Julio Irigoyen. AD: José Roberto De Prisco. G: Julio Irigoyen y José Roberto De Prisco. F, CM: Roberto Irigoyen. S: Domingo Tommasetta. C: Julio Irigoyen. CN: Un hijo de nadie, tango, de José Roberto De Prisco (l) y Héctor Palacios (m), Tú lo quieres, tango, de José Roberto De Prisco (l) y Emilio Musso (m), y otras cuatro, todas por Héctor Palacios. EF: NIRA Films. FR: septiembre 1940. CD: Distribuidora Argentina de Films. LC: 3.3.1947, cine Güemes.

I&P     Héctor Palacios, Yaya Palau, Laura Nelson, Pepe Harold, Lea Conti, Elvita Solans, Beba Ocampo, Aurelia Musto, Percival Murray, Enrique Vimó, Oscar Dalton, Rafa Fray, Ramón Vila, Raúl del Valle, Florencio Rey, José Barreiro, Alberto Quilés, la orquesta típica de Emilio Musso, la orquesta característica de José Maggiora.

F&P     Estrenado en 1941 en el cine Hollywood, de Caracas.

 

El alma en un tango
Argentina, 1940
35mm / B&N / Mitchel / 69’ / SR

EQ     CP: Filmadora del Plata de Películas Argentinas. P: Julio Irigoyen y Roberto Irigoyen. D: Julio Irigoyen. AD: José Roberto De Prisco. G: Julio I. Bernat [Julio Irigoyen] y José Roberto De Prisco. F, CM: Roberto Irigoyen. E: Rodolfo Vismara. S: José Lara. C: Julio Irigoyen. AC: Guillermo Dimitre. M: Emilio Musso. CN: Esquenún, tango, de Luis H. Bossi, El alma en un tango y Por nuestro amor, tangos, y Una flor entre flores y Amor en tres colores, valses, todas por Héctor Palacios; temas húngaros por Mauricio Bilevich (violín) y Yura Kramer (piano). EF: NIRA Films. L: Laboratorios Alex SACI. FR: octubre 1940. CD: Distribuidora Argentina de Films. LC: 20.4.1945, cine Select Lavalle.

I&P     Héctor Palacios, Elisa Labardén, Lea Conti, Tino Tori, Elvita Solans, Beba Ocampo, Francisco Mastandrea, Josefina Dessein, Roberto Lagos, Percival Murray, Warly Ceriani, Enrique Vimó, Roberto F. Torres, Justo Chazo, Florencio Rey, Celia Geraldy, Trío Gedeón, Orquesta Mauricio Bilevich y Yura Kramer, la orquesta típica de Emilio Musso.

FILMS

¡Kitsch, camp, trash!

–El cine de Enrique Carreras–

La sonrisa de mamá (1971) – Después de haber dirigido a Tita Merello y a Luis Sandrini era casi inevitable que EC coincidiera con Libertad Lamarque, súper estrella argentina de enorme popularidad en América y uno de los pocos “grandes” del cine argentino clásico aún sobreviviente. Nacida el 24.11.1908 en Rosario, provincia de Santa Fe, y fallecida el 12.12.2000 en México DF, Lamarque se inició como cancionista y actriz teatral en la década de los 20. Al cine accedió cuando aún era mudo en ¡Adiós, Argentina!; en la época sonora protagonizó 63 largometrajes, argentinos, mexicanos y uno español. En 1946 se vio forzada a abandonar la Argentina y se instaló en México, donde continuó su carrera. Desde la caída del régimen peronista –responsable de su exilio– fueron varios los proyectos para su retorno al cine argentino, que se concretó pobremente con Creo en ti (Alfonso Corona Blake, 1959). Pasarían doce años y varios otros intentos hasta que volviera a filmar en su tierra, esta vez en una superproducción más acorde con su estatus, producida a todo trapo por la misma empresa con la que había hecho, tanto tiempo antes, grandes éxitos de taquilla.

Lamarque

   El proyecto comenzó a ser elaborado a finales de 1970, cuando Abel Santa Cruz entregó un guión titulado “El último verano”, escrito a la manera de los melodramas mexicanos que Lamarque animaba uno detrás de otro. Ese guión la muestra como una gran estrella condenada a morir por una grave enfermedad, así como el esfuerzo de sus hijos para que sus días finales sean lo más placenteros posibles. La mejor idea de producción fue la de sumar a Palito Ortega: ambos, además, grababan para la RCA, con lo que el lanzamiento agregaba la edición de un álbum con los temas musicales. En mayo 1971, EC y su esposa viajaron al Distrito Federal para ultimar con Lamarque los detalles de todo tipo (guión, repertorio musical, vestuario, fechas), viaje que el director aprovechó para intentar trabajar en ese país: a pesar de que mantuvo entrevistas con dos fuertes productores aztecas, Gregorio Walerstein y Gonzalo Elvira, nunca concretó ninguno de los proyectos que se barajaron. Mientras tanto, en Buenos Aires, Atilio Mentasti abrochaba la participación de la empresa Producciones Argentinas de Televisión, mejor conocida como Proartel, esto es, el Canal 13, que ya había incursionado en cine y tenido contacto con los Mentasti cuando la Sono distribuyó su costosísima producción Kuma-Ching. Libertad Lamarque, por supuesto, entraba en el negocio, como de costumbre, con su marido Alfredo Malerba: ambos llegaron a Buenos Aires a finales de julio 1971, y el 2 de agosto fueron agasajados con una multitudinaria comida.

   Lamarque y Ortega cantan sólo una canción a dúo, Se parece a mi mamá, que en la ficción el hijo compone a medida que se desarrolla la historia, como tantos films han hecho antes y después de éste: sólo que, en lugar de reservar la versión definitiva para un final a todo brillo, EC la ubica antes del clima fúnebre con el que culmina. En exhibiciones posteriores por televisión, a propósito, la secuencia de las “apariciones” (los fantasmas de la familia) paradójicamente desaparecieron, así como la versión por Lamarque del tango Madreselva y la secuencia de la graduación del hijo. En tanto la protagonista pertenece al ambiente artístico, los autores se permiten algunos guiños al respecto: alguien dice que a un personaje “le falta pimienta”, aludiendo a un largo escrito por Santa Cruz; Angel Magaña, como su representante, le propone: “Si querés, te organizo un beneficio”, una práctica teatral corriente hasta los años 40; Lamarque dice “Mariano me mandó los bocetos de los números musicales”, en obvia referencia a Mariano Mores. Tampoco faltan las pullas a la juventud (“Cuando estás estudiando andás a los golpes por culpa de la Universidad”, “Esos iracundos...”) ni los chistes tontos tan típicos de EC (“Arriba... abajo... al centro... y ¡adentro!”). El tema de la enfermedad es insinuado a la media hora de proyección, pero se declara tan sólo a los 65 minutos cuando el hijo pregunta a la madre si se siente mal y ella responde “No hijo, un poco cansada”. En realidad, se destaca apenas una secuencia, aquella en la que Lamarque y Magaña sinceran el tema de la muerte. El resto es un melodrama a la mexicana, previsible y torpe, no obstante lo cual tuvo mucho éxito en las taquillas.

Magaña, Córdoba, Lamarque y Medrano

   El rodaje puso en evidencia el respetuoso temor que EC sentía por su estrella, quien no solo era productora asociada sino que, además, conocía como una experta todos y cada uno de los trucos de iluminación y posiciones de cámara posibles. Ella fue la que insistió en ser fotografiada por Merayo, quien tenía fama de iluminar apropiadamente a las actrices, y estaba más atenta a sus indicaciones que a las del director. Sin embargo, jamás se produjo altercado ninguno.

OBS     Tres integrantes del elenco (López Colombres, Aguirre y Buttaro) surgieron de un concurso organizado por Argentina Sono Film y el ciclo radiofónico El clan del aire, seleccionadas por un jurado que integraron Niní Marshall, Angel Magaña, Atilio Mentasti, Enrique Carreras, Mercedes Carreras, Antonio Merayo, José Dominianni, José Irusta Cornet y Horacio del Río. Tercero, tras Inspiración (Jorge Jantus, 1946) y Los hijos del otro (Catrano Catrani, 1946), y último largometraje en el que intervino Fernando Heredia (1923-2018), actor cuya principal trayectoria la logró en el medio televisivo: su nombre real era Enrique Alonso (hay un actor con este nombre) y el artículo necrológico publicado en La Nación agregaba uno español de Mario Camus, un canard extraído de la web, siendo que se trata de un actor español homónimo.

TAQ     El lanzamiento nacional tuvo lugar el 10.2.1972 en el Ambassador (Mar del Plata), donde se mantuvo en cartel durante siete semanas, a las que deben sumarse otras dos en el cine Colón. En BA también gozó de los favores del público, con cinco semanas en el Ambassador, tres en el Flores y dos en las restantes salas porteñas y suburbanas que lo estrenaron, sumando desde la 2ª (9.3) 24 cines del conurbano bonaerense; desde  la 3ª (16.3) los cines Loria –por tres semanas–, General Belgrano, Los Andes, Gran Lugano, Olavarría y Villa Crespo + 25 –y a esa altura los avisos publicitarios mencionaban 400.000 entradas vendidas–; desde la 4ª (23.3) el Sáenz; y desde la 5ª (30.3) los cines Alvarez Thomas, Rialto, Continental, Grand Prix, Rosedal, Select Buen Orden y nuevamente el Gran Lugano. Luego, desde el miércoles 12.4, cruzó al Electric Palace y al Regio, y desde el 20.4 fue programado en el Gloria, donde se mantuvo cuatro semanas, la 2ª de ellas en simultáneo con el San José de Flores, la 3ª en simultáneo con el Palais Bleu y la 4ª en simultáneo con el Gran Lugano (¡again!) y el Once. Un último intento de los Mentasti por sacarle jugo al producto fue programarlo otra vez en el Gloria desde el miércoles 19.7, por apenas una semana. El 24.11.1973 le fue concedida la licencia de exhibición en España, pero su estreno “no consta”.

 

El picnic de los Campanelli (1972) – El lunes siguiente al estreno de El veraneo de los Campanelli, con las cifras a la vista, sus responsables decidieron realizar otro con el exitoso grupo de la televisión. El proyecto inicial contemplaba ubicar la acción en Bariloche, zona turística invernal de la provincia de Río Negro, pero las fechas previstas (en pleno verano, esto es, sin la nieve característica del lugar) y el mayor costo que esas localizaciones implicaba obligaron a modificar los planes reemplazando Bariloche por la más modesta zona del Tigre, en uno de cuyos populares “recreos”, El Galeón de Oro, se hizo la mayor parte del rodaje, para el que no se utilizaron estudios. La producción fue asumida por una empresa nueva, Premier, a la que estaban asociados Nicolás Carreras –y se supone que también sus hermanos–, Héctor Maselli y el empresario periodístico y televisivo Héctor Ricardo García, dueño del diario Crónica y del Canal 11 de TV porteño, Teleonce, por cuya pantalla saldría Los Campanelli a partir de la temporada 1972. Como gerente de producción debutó en cine el hijo de Nicolás, Luis Nicolás, mejor conocido como “el Chino” Carreras, quien desde 1969 trabajaba en la administración de la General Belgrano.

Canónico y Montes

   El argumento de El picnic de los Campanelli, en cuya escritura esta vez no participó Juan Carlos Mesa, presenta a la familia en un domingo fuera de la casa paterna, invitada a participar en una Carrera de Regularidad y luego a un almuerzo en un recreo, organizados por el Centro Gallego. Como en el ciclo televisivo y en el film anterior, no ocurre nada relevante excepto una sucesión de gags visuales y sonoros, aunque esta vez hay una mínima intriga cuando la familia se ve envuelta, sin quererlo, en el robo a un banco (curioso que el Banco Shaw haya prestado una de sus fachadas), puesto que los ladrones pierden el maletín con el dinero, que es encontrado por los Campanelli. Eso es casi todo. Destacan, por su ternura y por lo graciosos que resultan, los apodos que se prodiga el matrimonio “Pascuzzio” (“Mi jamoncito glacé”, le dice él a la gorda Zulma; “Mi gladiador”, replica ella a su calvo y fofo marido). También, una secuencia muy melancólica y hasta triste, aquella en que la sirvienta “Flora” repara en los niños huérfanos que están en el mismo recreo, secuencia que Pascali remata con un gag que desata la risa de los pibes. Cabe destacar que no hay una sola mención a la ausencia de “Santiago Campanelli” (Santiago Bal): ocurre que el actor fue el único que no renovó contrato para la TV. Por último, los dos bebés que aparecen en la historia son hijos de la actriz María Cristina Láurenz y el cantor de tangos Alberto Marcó y de la actriz Edda Díaz y el escritor Peter Gilbert: Helena Regina Gilbert, por cierto, falleció muy jovencita, antes siquiera de cumplir sus 20 años.

   En un personaje minúsculo hace su primera aparición en un film de EC Raúl Fraire, actor notable en personajes secundarios (aquí, apenas como el mozo del recreo, y sin acreditar), que unos años más tarde debió exiliarse en España huyendo de la dictadura militar, lo cual, paradójicamente, benefició su carrera, pues en el cine español trabajó mucho y en personajes si no protagónicos de mucha mayor importancia de los que venía consiguiendo en su país: falleció en 2002.

   La repercusión en las boleterías esta vez no fue tan enorme, lo cual determinó que los Campanelli desaparecieran del cine aunque estaba prevista una tercera peripecia del grupo, nada menos que en Italia. Maselli, por su parte, incursionó en apenas otras tres oportunidades en ese medio: fue, con Oscar Viale, argumentista y guionista de Los hombres piensan sólo en eso (Enrique Cahen Salaberry, 1976), argumentista y guionista de Patolandia nuclear (Julio Saraceni, 1978) y actor –en el personaje “el Centroamericano”– de Pasajeros de una pesadilla (Fernando Ayala, 1984).

Linvell, Kliment y García Satur

TAQ     Una avant première fue transmitida por el Canal 11 de TV en la noche del miércoles 12.7.1972 desde el cine Sarmiento, sala principal en la que se mantuvo en cartel durante cinco semanas, en tanto en algunos simultáneos (Los Andes, 25 de Mayo, El Plata) aguantó tres y en otro (Constitución) dos, sumando desde la 2ª (20.7) el Cervantes + 18; desde la 3ª (27.7) los cines Alvarez Thomas –por dos semanas–, Olavarría, Gran Odeón y Villa Crespo; desde la 4ª (3.8) el Gran Lugano y el Sáenz; y desde la 5ª (10.8) sólo salas suburbanas. Luego, desde el 17.8, cruzó al Gloria por tres semanas, mientras continuaba siendo programado aquí y allá.

 

La sonrisa de mamá
Argentina, 1971
35mm / EastmanColor / RCA / 98’ 7 ATP

EQ     CP, CD: Argentina Sono Film SACI. CPA: Proartel [Producciones Argentinas de Televisión SACI]. PA: Alfredo Malerba. JP: Jorge Velasco. [AP: Ricardo Vacas]. D: Enrique Carreras. AD: Orlando Zumpano. [AYD: Teo Kofman]. [PZ: Ricardo Cuevas]. G: Abel Santa Cruz. F: Antonio Merayo. CM: Alberto Curchi. [FQ: Salvador Paolillo]. [ACM: Ever Latour]. [FF: Juan Ritter]. JR: Rodolfo Denevi. [CR: Edmundo Sánchez]. [R: Juan Carlos Centeno, Antonio Salvatore, Luis Gago, Omar D’Alessandro, Alejandro Santa Ana, Enrique Alvarez y Roberto Souza]. E: Gori Muñoz. DC: José Tasín. [U: Leonardo Brughetti]. [CPT: Carlos Leyes]. JPT: David Daich. ASEV: Horace Lannes. [MOD: Beatriz Rocino]. MQ: Vicente Notari. PN: Juan Catalán [Jorge Catalán] y, los de Libertad Lamarque, Roley. S: Juan Brovelli [Ricardo Brovelli]. [AS: Juan Carlos Bertola]. RG: Mario Fezia. C: Jorge Garate. [AC: Higinio Vecchione]. [CNGT: Nieves Pérez]. M: Tito Ribero. CN: Andá y tirate al río, de y por Palito Ortega con orquesta dirigida por Oscar Toscano; El firulete, milonga, de R. M. [Rodolfo M.] Taboada (l) y M. [Mariano] Mores (m), y Canción de Bs. As. [La canción de Buenos Aires], de M. [Manuel] Romero (l) y O. [Oreste] Cúfaro y A. [Azucena] Maizani (m), ambas por Libertad Lamarque; La alegría de mi vida, de y por Palito Ortega con orquesta dirigida por Oscar Toscano; No es una fiesta, rock, de Palito Ortega, por Palito Ortega con Alta Tensión; La chinita cochinera, de Palito Ortega, y En el 900, de M. [Mario] Clavell (l) y T. [Tito] Ribero (m), ambas por Libertad Lamarque; Yo sé que anoche te soñé, de y por Palito Ortega con orquesta dirigida por Oscar Toscano; Se parece a mi mamá, de Palito Ortega, por Libertad Lamarque y Palito Ortega; [y Madreselva, tango, de Luis César Amadori (l) y Francisco Canaro (m), por Libertad Lamarque]. COR: Juan Carlos Copes. EF, LS: Argentina Sono Film SACI (Martínez, BA). [JEF: Adolfo Cabrera]. LOC: BA (Fuente de las Nereidas en la Costanera Sur, Italpark en Retiro, Autódromo Municipal, Facultad de Derecho y Ciencias Sociales) y GBA (restaurante Los Miqueles en San Isidro, confitería Saint-George en Martínez, Club de Regatas en San Fernando, quinta de Gatti en Olivos). L: Laboratorios Alex [SACI]. FR: 16.9.1971 al 8.11.1971. LC: 2.3.1972, cines Ambassador, Gran Norte, General Paz, Flores, Cuyo, Cervantes, Constitución, El Plata y 25 de Mayo + 33.

I&P     Libertad Lamarque (Angélica, viuda de Zamora, “Ana Valdivia”), Palito Ortega (Julio Zamora, hijo de Angélica) / Angel Magaña (Damián Heredia) / Irma Córdoba (Josefina, esposa de Damián), Silvia Mores (Clotilde Zamora, hija de Angélica), Emilio Comte (amigo de Julio), María de los Angeles Medrano (Carmencita Heredia) / Ricardo Passano [(h)] (médico doctor Echeverría), Tito Mendoza (amigo de Julio) / Nelly Beltrán (mucama Elena), Pablo Danielo (Felipe Zamora, hijo de Angélica), Graciela López Colombres (Cristina, esposa de Felipe), Fernando Heredia (García Dávila, director de la Americana Films), Jacques Arndt (periodista) / Carlos Luzzieti [Luzietti] (hermano de María Esther), Rodolfo López Ervilha (médico de la Casa del Teatro), Rodolfo Machado (médico doctor Gorostiza), Virginia Romay (vestidora Mariana), Adriana Aguirre y Graciela Buttaro (chicas en la confitería), Aurora del Mar (enfermera), José Sulgatti (hermano de María Esther), Liliana Abayieva y María Esther Truela (compañeras de Clotilde) / Alta Tensión, Juan Carlos Copes / na Víctor Villa y Miguel Jordán (periodistas), Mario Kohout (reportero gráfico), Néstor Sabattini, Francisco Díaz, Oscar Petri, Alejandro Barbosa y Marcelo Sayé (cinco amigos de Julio), Mónica Cramer e Isabel Giosa (chicas en la boîte), Liliana Moyano (compañera de Clotilde – doble de cuerpo de Libertad Lamarque), Mirta Guadalupe y María del Carmen Garó (compañeras de Clotilde), Luis Gago y Alberto Greco (hombres barriendo el hall del teatro), Teresa Wallon (amiga de García Dávila), Saúl Virman, Oscar Maril, Walter Welzel y Héctor Rivero (cuatro muchachos en la heladería), Enrique San Miguel y Nora Samsó (pareja de ancianos en Palermo), Alberto Grassa (profesor jefe de mesa examinadora), Lilí Navarro (amiga de García Dávila), Alicia Sorbel (enfermera), Graciela Mónica Aivazián (niña hija de Felipe y Cristina), Cristina Manfredi (Angélica, en la aparición), Hugo Novello (marido de Angélica, en la aparición), Gabriel Soriano (Julio niño, en la aparición), Andrea Manfredi (Clotilde niña, en la aparición), Ricardo Moreno (Felipe niño, en la aparición) / aana Orlando Zumpano (voz off del traspunte).

F&P     Asociación de Cronistas Cinematográficos de Nueva York: premio a la actriz (Libertad Lamarque) / Estrenado en enero 1973 en Lima / Semana de Cine Argentino, La Habana, octubre 1974.

Ficha supervisada en 1972 por Teo Kofman y Ricardo Vacas.

 

El picnic de los Campanelli
Argentina, 1972
35mm / EastmanColor / RCA / 85’ / ATP

EQ     CP: Producciones Premier [SRL]. GP: Luis Nicolás Carreras. JP: Carlos Roig. AP: Eduardo C. Rodríguez. D: Enrique Carreras. AD: Orlando Zumpano. AYD: Teo Koffman [Kofman]. [PZ: Ricardo Cuevas]. G: Oscar Viale, Juan Peregrino [Héctor Maselli] y Jorge Basurto [sobre los personajes del ciclo televisivo Los Campanelli]. F: Antonio Merayo. CM: Alberto Curchi. FQ: Salvador Paolillo. [ACM: Atilio Pascual]. [FF: Juan Ritter]. JR: Rodolfo Denevi. [CR: Edmundo Sánchez]. [R: Antonio Salvatore, Miguel D’Alessandro, Omar D’Alessandro, Alejandro Samirovsky y Federico Gobello]. [U: Leonardo Brughetti y Enrique Castillo]. [CPT: José Rosales]. [MOD: Beatriz Rocino]. MQ: Vicente Notari. PN: Jorge Catalán. S: Jorge Castronuovo. [AS: Juan Carlos Bertola]. RG: Mario Fezia. C: Jorge Garate. [AC: Higinio Vecchione]. [CNGT: Nieves Pérez]. M: Horacio Malvicino. [PUB: Jorge Jacobson y Teresa Yuño]. LOC: BA (frente del Banco Shaw en la esquina de las avenidas Forest y de los Incas), GBA (embarcadero en el Tigre, San Fernando) y provincia de BA (recreo El Galeón de Oro en el Delta del Paraná). L: Laboratorios Alex [SACI]. [LS: Argentina Sono Film SACI (Martínez, BA)]. FR: 6.3.1972 al 30.3.1972. CD: Argentina Sono Film [SACI]. LC: 13.7.1972, cines Sarmiento, Flores, Palacio del Cine, General Belgrano, Constitución, Cervantes, Los Andes, 25 de Mayo y El Plata + 31.

I&P     Alberto Anchart (h) (Alberto Campanelli), Dorita Burgos (Dorita, esposa de Alberto), Osvaldo Canónico (Osvaldo Campanelli), Edda Díaz (mucama Flora), Zulma Grey (Zulma Campanelli), Alejandra Kliment (Alejandra, esposa de Claudio), María Cristina Láurenz (María Cristina Campanelli), Adolfo Linvel [Linvell] (don Carmelo Campanelli), Tito Mendoza (Tito Campanelli), Gloria Montes (Gloria, esposa de Osvaldo), Tino Pascali (Tino Pascuzzio, marido de Zulma), Menchu Quesada (Lucía, esposa de don Carmelo), Claudio García Satur (Claudio Campanelli), Carlos Scazziota [Scazziotta] (Carlos Pichafuoco, marido de María Cristina) / Mariquita Gallegos (Mónica) / Raimundo Pastore (don Paco), Iván Grondona (don Clemente), Nelly Beltrán (señora de Barrenechea), Ricardo Lavié (ladrón Salvatti) / Juan Carlos Lima (ladrón Rivero), Rodolfo Machado (ladrón Salinas), Aldo Mayo (ladrón Ronco) / Lilly [Lily] Vicet (doña Mercedes, esposa de don Clemente), Atilio Pozzobón (agente de Policía), Jorge Sánchez (Rodolfito), Adriana Aguirre (Gracielita) / na Mónica Jouvet (Juanita, sobrina de don Paco), Estela Vidal (doña Amanda, madre de Rodolfito y Gracielita), Cristina Ayos (española), Miguel Jordán (cobrador de la Carrera de Regularidad), Carlos Lagrotta (juez Barrenechea), Cayetano Biondo (timonel del yate), Teresa Wallon, Oscar Petri, Roberto Braceras, Rubén Frato, Irene S. Bollo y Norma Roda (seis invitados en el yate), Quique Martí (mozo en el yate), Luis Michell (camarero en el yate), Roberto Carnaghi (RP 2º), Raúl Fraire (mozo del recreo) / aana Helena Regina Gilbert (niña hija de Flora), Alberto Marcó (h) (niño Albertito Pichafuoco), Peter Gilbert (señor en la estación), Enrique Carreras y Orlando Zumpano (señores en el muelle, con sendas chicas), Teo Kofman (muchacho besando a una chica), Juan Carlos Bertola (RP 1º), Ricardo Cuevas (gordito con pizza en la ruta), Jorge Velasco (jurado). [Personajes en busca de actores: vecino en el balcón / locutor de Teleonce / control de la carrera / huerfanitos varios / agente de la Prefectura].

Ficha supervisada en 1972 por Teo Kofman.