FILMS

Julio Irigoyen:

Prontuario de un marginal

La hija del viejito guardafaro (1939) – Su primer título cuando aún era un proyecto fue “La hija del viejito pescador”. Incluye imágenes del Carnaval en la Avenida de Mayo, probablemente las mismas tomadas por JI en 1924 para Los misterios del turf argentino. Hay una radionovela y una pieza teatral de igual título, la segunda representada por la compañía de Juan Carlos Chiappe desde el 24.10.1955 en el Variedades como inicio de una gira barrial. Y, como datos curiosos, el sábado 24.6.1916 el Smart Palace exhibía La hija del guardafaro (La fille du gardien de phare, 1910, producción corta de la Pathé francesa) y en 1914 la danesa Nordisk también hizo algo que en español fue titulado La hija del guardián del faro. Para la música y las canciones incorporó al bandoneonista y compositor Antonio Sureda (1904-1951), integrante del Trío América y del Trío Sureda y desde 1940 director de su propia orquesta: Antonio y su hermano Gerónimo eran los autores del vals Ilusión marina (1930), cuya letra se acomodaba al argumento que Irigoyen había imaginado diez años antes para su producción muda Alma en pena, de la que es una remake.

Arturo Sánchez y Laura Nelson

SIC     Era la hija del viejito guardafaro/ la princesita de aquella soledad,/ y le decían con amor los pescadores/ que era la perla más bonita y blanca/ que guardaba el mar./ Fue para ella que cantaron los marinos/ que cruzaban las serenas aguas huérfanos de amor/ y en sus cantos llenos de cariño siempre le decían/ que brillaban sus ojos más que el faro y el sol./ Y escuchando las dulces palabras/ de aquellos marinos feliz sonreía,/ para todos guardaba esperanzas/ pues era tan buena y a todos quería./ Y el ensueño de aquellos cantares/ volcaba alegría en su corazón/ y solita en aquellos lugares/ también como todas forjó una ilusión./ Dicen que un día el capitán de un barco/ que navegaba a la deriva y sin timón,/ la vio en el faro radiante de belleza/ y en su mirada poniendo la nave de su corazón. / Y la niñita princesita de los mares/ sus caricias y ternuras llenas de pasión le dio,/ y ahora dicen con dolor aquellos rudos pescadores/ que la perla más linda el amor la llevó./ Ya no pasan los lobos marinos/ coreando en la proa humildes canciones,/ y la honda tristeza del faro/ aumenta la pena de sus corazones./ Y en las noches oscuras y tristes/ y la luz del faro en sus barcos va,/ le recuerdan aquellos ojazos/ y a veces algunos la ven lagrimear. [Letra de Gerónimo Sureda para el vals Ilusión marina, copiada de la grabación hecha por Ada Falcón con la orquesta de Francisco Canaro y registrada en los estudios Odeón el 18.11.1930].

Buenos Aires Film anuncia que terminó el rodaje de La cieguita de la avenida Alvear, y que ha iniciado el de la tercera película de su plan para este año: La hija del viejito guardafaro. Dirigidas las dos, como de costumbre, por el propio productor, Julio Irigoyen. Los títulos son por demás elocuentes. [El Mundo, 22.1.1939, sección Del Cine Nacional].

Un médico ama sin esperanzas a la esposa de un canalla que sufre toda clase de vejámenes, sin divorciarse. El marido se dedica a la conquista de la nieta de un guardafaro, pero cuando está a punto de seducirla descubre que se trata de su hija. El guardafaro lo estrangula, dejando libre a su esposa para reunirse con el médico. [Argumento, en Heraldo del Cinematografista, 7.6.1939: adviértase que el título es erróneo, ya que no se trata de la hija sino de la nieta del guardafaro, traspié también advertible en la producción estadounidense Jesse James meets Frankenstein’s daughter (William Beaudine, 1966), donde asimismo se trataba de la nieta y no de la hija].

¿Por qué? ...se siguen haciendo películas de calidad tan inferior como La hija del viejito guardafaros, indignas del progreso técnico y artístico alcanzado por el cine nacional? Malas películas – 5º-El cine argentino tuvo, en la época del mudo, su buen momento. Las películas de Buenos Aires Film, realizadas en esa época, anularon las perspectivas de la industria, por su pésima calidad, la pobreza de sus asuntos y su falta absoluta de aspiraciones artísticas. Ahora, especulando con el progreso logrado por otros productores, la misma compañía sigue realizando films de esa especie, que alejan al público de los cines y atentan contra la estabilidad de la industria. [Heraldo del Cinematografista, 5.7.1939, pág. 94, fragmentos de un artículo que se formula ocho preguntas y las respectivas respuestas].

–Y pasó lo que tenía que pasar, nomás. Se juntaron dos potencias. –Cuando le venga bien, me aclara de qué está hablando. –Se lo voy a aclarar despacito: Hace algunos meses Julio Irigoyen filmó La hija del viejito guardafaro, ¿no es cierto? –Sí, señor. ¿Y? –El tema fue sacado de un vals de Antonio Sureda que empezaba así: “Era la hija del viejito guardafaro”... –No me lo cante más. Lo conozco. Además, su voz parece un rayador de fonda. –Lo sabía, y le advierto que mi voz ha mejorado mucho. Bueno, el caso es que Julio Irigoyen y Sureda se han juntado y están filmando. Sureda hace la música y pone la orquesta. –¿Y qué pone Irigoyen? –Irigoyen pone, además de su mejor voluntad, todo lo que puede, que ya es bastante. [Sintonía, nº 352, 17.1.1940].

TAQ     Lanzado en calidad de complemento de programa, permaneció cuatro días en el Mitre, dos en el Ritz y dos en el Dante: las dos salas simultáneas eran del Sur bonaerense, el Colonial (Avellaneda) y el Moderno (Quilmes). Luego, fue abundantemente programado en salas de la CF: en 1939, los días 8.6 en los cines Real, Hollywood, Gaona y Sena; 10 y 11.6 en los cines Hollywood, Cóndor, Gaona y Sena; 15.6 en el Estrella; 22.6 en el Flores; 29.6 en el Regio y el Alberdi; 1 y 2.7 en el Regio; 8 y 9.7 en el Capitolio; 11.7 en el Alberdi; 25.7 en el Continental; 8.8 en el Imperio de Flores y el Alberdi; 15.8 en el Hollywood y el Gaona; 24, 25 y 26.8 en el Canadian; 2 y 3.9 en el América; 5.9 en el Pompeya y el Alberdi; 7.9 en el Capitolio; 13.9 en el Imperio de Flores; 12.10 en el 25 de Mayo; 19.10 en el Imperio de Flores; 31.10 en el Cóndor; 4 y 5.11 en el Canadian; 14.11 en el Gaona; 21.11 en el Odeón 2º; 30.11 en el Imperio de Flores; 7.12 en el Hollywood; 13 y 14.12 en el Imperio de Flores; y 21.12 en el Hollywood. En 1940 fue detectado los días 18.1 y 16.5 en el Capitolio; 23 al 26.5 en el Follies 2º; 23.5 en el Taricco; 20.6 en el Argentino; 1.7 en el Palais Bleu; 2.7 en el Parravicini; 11.7 en el Capitolio; 5.8 en el Argentino; 27.8 en el Alberdi y el Parravicini; 11.9 en el Parravicini; 9.10 en el Canadian; y 28.10 y 8.11 en el Parravicini. Reapareció tan sólo en 1945, el 10.7 y el 25.7 en el Cinelandia. Aún en 1951 fue detectado el 22.1 en el Lima.

 

La modelo de la calle Florida (1939) – Uno de sus cuatro films sobrevivientes, lo que significa que no sólo pudo ser visto, narrado y juzgado sino también reproducir con fidelidad a sus actores y técnicos según los títulos de crédito. Los Irigoyen lo relanzaron con otro título, La canción de Buenos Aires, y una copia con este título fue adquirida en 2008 por la Filmoteca Buenos Aires de Fernando Martín Peña, quien la exhibió el sábado 20.12.2008 y el domingo 27.11.2011 en el auditorio del MALBA y la emitió el viernes 7.9.2012 a las 0.15 por el Canal 7 en su ciclo Filmoteca.

   La acción se inicia con tomas de la Capital Federal, sobre las que se imprime el siguiente texto: “¡Buenos Aires! Cómo es de lindo mirarte a pleno sol, cuando el hervidero humano es una ola que va y viene estrellándose entre tus costados de piedras...”. Luego, en lo que parece ser una boîte auténtica y ante la mirada de una veintena de extras en ropa de noche, se suceden tres números musicales: una canción triste cantada por un mulato pobremente vestido, una danza cómica por dos mujeres tocadas de marinero y un tango cantado por uno de los parroquianos que, luego lo sabremos, se llama “Juan Carlos”. En el lugar también están “Márgara” y “Aníbal”. “Pero el Buenos Aires abierto, que se divierte a franca luz artificial a disposición de todo el mundo, tiene un aspecto escondido por cuyas vértebras ruedan las perdiciones”.

   “Hemos conocido en breves brochazos el bajo fondo porteño, donde cada personaje lleva un drama o una alegría que lo exterioriza con una canción o una puñalada. Pero vemos ahora en otro rincón de esta gran ciudad, que como todas encierra en sus interiores aspectos extraños”. La acción se traslada a la casa de “Márgara”: “Márgara, la dueña de aquella casa, no era precisamente, una de esas que vienen de los institutos de París. Era una criolla que vivió ...” [el texto continúa un par de líneas más, pero no pudo ser registrado en la copia examinada]), donde varias personas muy bien vestidas juegan a las cartas: un jugador es descubierto haciendo trampa y otro protesta con acento extranjero. “Juan Carlos” le cuenta a “Márgara” que intenta conquistar a una muchacha trabajadora, que se resiste a ser seducida, por lo que le pide ayuda. Otro decorado, la trastienda de una casa de modas: allí madame da órdenes a las mannequins, una de las cuales es “Lucila”, la resistente. Hay luego una escena en los jardines de Palermo, a los que dos parejas llegan en un lujoso automóvil: “Lucila” y “Juan Carlos” y “Ernesto” (amigo de Juan Carlos) y “Jacquelina” (compañera de trabajo y confidente de Lucila). Luego entra en escena la madre de “Lucila”: ambas mujeres viven juntas en una modesta habitación de techo altísimo. La hija le oculta las salidas con “Juan Carlos” y también su naciente amistad con “Márgara”, quien agasaja a la muchacha para complacer a “Juan Carlos”, al cual, según parece, le debe algún favor. Las salidas continúan e incluyen una visita al Hipódromo, donde “Aníbal”, veterano amigo de “Márgara”, descubre el complot para seducir a “Lucila” y se opone a ello.

Enrique del Cerro, Laura Nelson,

la nuca de Arturo Sánchez y Celia Méndez

   Finalmente hay una fiesta en casa de “Márgara” donde la seducción debería consumarse tras varias copas de champán, pero “Aníbal” va a casa de “Lucila” y (sin anunciarse, entrando directo a la habitación) encara a la madre, quien se pone una pañoleta antes de partir rumbo a casa de “Márgara”, “antes de que sea demasiado tarde”. Llegan “a tiempo” y, para sorpresa del espectador (quien ya sabe que la pobre mujer tenía otra hija a la que “perdió”), “Márgara” y la vieja se intercambian “¡madre!” e “¡hija!”, “Juan Carlos” promete portarse bien y ser “un nuevo hijo” para la sufrida mujer, en tanto “Aníbal” declara su amor a “Márgara”. Fin.

OBS     Aunque suele considerarse como mediometraje un film cuya duración oscila entre los 30 y los 59 minutos, éste de Irigoyen, que dura 47, es incluido entre sus largos pues con esa perspectiva fue concebido aunque “le quedó corto”. Es versión sonora del mudo La casa del placer.

TAQ     De las dos salas que lo estrenaron en calidad de complemento de programa, el Callao lo mantuvo apenas por un día, en tanto en el Select Corrientes permaneció cuatro. Algunas otras exhibiciones en salas porteñas fueron registradas ese mismo año los días 9.5 en el Coliseo 2º; 11.5 en el Select Flores; 18.5 en el Cervantes; 20 y 21.5 en los cines Cervantes, Canadian, Imperio de Flores y Canadian 2º; 23.5 en el Continental; 25.5 en el Hollywood y el Gaona; 8, 10 y 11.6 en el San José de Flores; 15.6 en el Gaona; 22.6 en el Rivadavia Palace; 13.7 en el Imperio de Flores; 3 y 9.8 en el Rivadavia Palace; 31.8 en el Palais Bleu; 6.9 en el Imperio de Flores; 7.9 en el Alberdi; 14.9 en el Hollywood y el Gaona; 21 y 22.10 en el Imperio de Flores; 31.10 en el Alberdi; 2, 4 y 5.11 en el Sena; 9.11 en el Imperio de Flores y el Sena; 21.11 en el Odeón 2º y el 25 de Mayo; 29.11 en el Imperio de Flores; 5.12 en el Sena; 7.12 en el Gaona; y 16 y 17.12 en el Imperio de Flores. Reapareció en las carteleras porteñas tan sólo en 1945, el 16.7 y el 31.7 en el Cinelandia. Ya con el título La canción de Buenos Aires, durante 1947 fue exhibido los días 17 y 18.5, 11.8 y 10.11 en el Radio City. En 1948 aparece del 25.3 al 31.3 en el teatro Florida y el 12 y el 28.4 en el Estrella. En 1949, los días 15.3 en el Radio City; 14.4 en el Eclair; y 28.9 en el Lima. En 1950 fue programado con su título original del 27.4 al 2.5 en el Florida. En 1951 salió como La canción de Buenos Aires el 13.6 en el Eclair y como La modelo de la calle Florida el 27.6 en el Eclair. Por último, en 1954 fue programado como La modelo de la calle Florida del 15 al 18.2 en el Soleil.

 

La hija del viejito guardafaro
Argentina, 1939
35mm / B&N / 68’ / SR

EQ     CP: Buenos Aires Film. P: Julio Irigoyen y Roberto Irigoyen. D: Julio Irigoyen. G: Julio Irigoyen. F, CM: Roberto Irigoyen. S: Domingo Tommasetta. C: Julio Irigoyen. M: Antonio Sureda. CN: Ilusión marina, vals, de Gerónimo Sureda (l) y Antonio Sureda (m), por Laura Nelson con la orquesta de Antonio Sureda. LOC: BA y provincia de BA (Mar del Plata). FR: enero y febrero 1939. CD: Cinematografía Julio Joly. LC: 1.6.1939, cines Mitre, Ritz y Dante + 2.

I&P     Laura Nelson, Arturo Sánchez, Enrique del Cerro, Yaya Palau, Alvaro Escobar, Warly Ceriani, la orquesta de Antonio Sureda.

F&P     Estrenado en 1942 en el cine Cerro, de Montevideo.

La modelo de la calle Florida

[luego La canción de Buenos Aires]
Argentina, 1939
35mm / B&N / 47’ / SR

EQ     CP, CD: Buenos Aires Film. [P: Julio Irigoyen y Roberto Irigoyen]. D: Julio Irigoyen. AD: Guillermo Dimitre. [G: Julio Irigoyen, sobre argumento de Leopoldo Torres Ríos]. [F], CM: Roberto Irigoyen. RV: Sastrería Arce, Modelos Novel y Sombreros Metrópolis. PN: Ruxton. [S: Domingo Tommasetta]. [C: Julio Irigoyen]. CN: letra y música de A. [Alejandro] Scarpino y J. [José] Scarpino [: una por un cantor desconocido, tres por Enrique del Cerro]. [TM: fragmentos de Ivanova nochna lisoy gore, poema sinfónico de Modesto Mussorgsky]. LOC: BA (Plaza de la República, Plaza de los dos Congresos; Hipódromo Argentino y parque 3 de Febrero en Palermo). FR: marzo 1939. LC: 20.4.1939, cines Callao y Select Corrientes.

I&P     Laura Nelson (Márgara), Arturo Sánchez (Aníbal del Río), Enrique del Cerro (Juan Carlos), Yaya Palau (Lucila), Aurelia Musto (madre de Lucila), Celia Méndez (Jacquelina), Agustín Martínez (Ernesto, galán de Jacquelina) / Roberto Díaz (asistente de madame), Genaro Tórtora (jugador tramposo), Nené Méndez (mannequin que se burla de madame), Susy Morales (mucama de Márgara), Luz Real (una jugadora), Mina Keller (madame), Diana Wilson (una mannequin), Elvira Franco (vecina doña Rosa) / na Nélida E. D’Amico (hijita de doña Rosa).

FILMS

¡Kitsch, camp, trash!

–El cine de Enrique Carreras–

La familia hippie (1969) – El largometraje nº 57 de don EC incurre en otro doble caso, de remake y de autoremake, en este segundo apartado de La cigüeña dijo: sí. Las mismas ñoñerías provistas por Llopis reaparecen quince años más tarde pero replicadas por otros actores. Lo más triste del asunto es ver a Elina Colomer y Angel Magaña haciendo morisquetas al son de algunas canciones del protagonista, tan luego ellos, que supieron ser protagonistas y nunca renunciar su dignidad. Filmado en 1969, fue reservado para su estreno en la temporada fuerte de 1971, pues se produjo una sobredosis de Palito Ortega que debía ser prudentemente dosificada. Tuvo un discreto éxito de taquillas.

Molly, Magaña, Ortega, Colomer

   [Entre este y el siguiente, EC dirigió un playback con el cantante español Peret: ocurrió el lunes 13 y el martes 14.4.1970 en diversas localizaciones porteñas con fotografía por Merayo, Collodoro en la cámara, Guisado como asistente del director y Vacas en la producción, todos empleados de Argentina Sono Film. Al día siguiente, 15.4, el Heraldo dio la información en su columna “Producción Argentina”, pero el anónimo redactor [moi même pero con sesenta años menos y errores de principiante] atribuyó el encargo al productor español Benito Perojo, quien se suponía incluiría esas imágenes en un futuro largo del cantante, y mencionó como uno de sus títulos previo “Cien mil ladrones”, que no existe. Peret había llegado diez días antes para hacer TV y locales nocturnos, y su carrera cinematográfica dio inicio con un par de participaciones menores hasta que arrancó en la veta film-de-cantante con Amor a todo gas, producción Cesáreo González rodada en 1968 con dirección de Román Torrado y con Perojo como “supervisor y director general de producción”. Luego hizo varios otros, pero el problema es que –hasta donde fue posible encontrarlos– en ninguno de ellos hay rastros de una canción que muestre imágenes porteñas].

La valija (1970) – Este es un film singular en la obra de EC: no incluye ninguna canción, ni siquiera off; marca su primera colaboración con Luis Sandrini; adapta una pieza teatral estrenada por un grupo independiente, y obtuvo un casi unánime reconocimiento de los críticos.

   Todo comenzó con Julio Mauricio (1919-1991), dramaturgo cercano al grotesco que se dio a conocer con Motivos (1964) y que más adelante estrenaría La depresión, El enganche y Elvira, entre otras piezas. Sin embargo, su vocación primera fue escribir para el cine, como lo prueban tres guiones presentados a sendos concursos organizados por el INC: Taracaya, en colaboración con Concepción Prat Gay de Constenla, que recibió una mención en 1959; Ahora será lo que no ha sido, asimismo escrito con Constenla, que obtuvo el 1º premio en 1961; y Un largo día gris, ganador del premio-estímulo en 1965. Curiosamente, tras el de La valija, Mauricio sólo escribiría un guión, el de Los días que me diste, que en realidad era una actualización de Un largo día gris.

   Su comedia La valija fue estrenada en la 19ª temporada de Nuevo Teatro, el más importante y prestigioso grupo independiente de la época, sobre una planta escenográfica de Ponchi Morpurgo. “El tema central de la obra es el trabajo”, escribió el autor en el programa de mano: “Tal como se da en nuestra sociedad. No es una actividad creadora, sino un esfuerzo sin sentido, frustrante, con consecuencias de perturbación en la vida íntima y social de cada hombre. Pero el hombre no es un ser para la frustración. Si la realidad es hostil y asfixiante se adoptan las vías sustitutivas de la evasión. Vías siempre insuficientes. A lo sumo postergación de una crisis inevitable. Los personajes de La valija, en una breve historia que transcurre en su tiempo natural, se nos ofrecen debatiéndose en procura de estabilidad interior. Es posible que el conflicto resultante les permita acceder a una toma de conciencia. De cualquier manera, el teatro es el lenguaje por excelencia. Y si desde la platea podemos contemplarlos con una sonrisa, ellos nos estarán mostrando su vida, que es nuestra vida, la vida que estamos haciendo”. La pieza cuenta cómo la infidelidad de una esposa repercute en su matrimonio, a pesar de lo cual el marido la perdona y decide quedarse tras amenazar con irse llevándose apenas lo que quepa en una valija. Tuvo un éxito extraordinario para una producción independiente y se mantuvo en cartel durante dos temporadas. Obtuvo los premios de la revista Talía y del ciclo radiofónico Semanario teatral del aire (obra nacional, actriz y escenografía), así como el de Argentores.

Sandrini, Pastorino

   Uno de los espectadores de la pieza fue Tita Merello: entusiasmada, le sugirió a EC su traslado al cine “y con los mismos actores”, le ordenó. La idea gustó al director, pero no a Atilio Mentasti, que exigía intérpretes populares como los que finalmente intervinieron. Antes, sin embargo, alguien propuso a David Kohon para dirigir el proyecto, pero Atilio volvió a oponerse. Adaptar esa pieza al cine representaba para EC un poco de prestigio “cultural”, algo que no lo desvelaba pero que tampoco estaba de más. El matrimonio Sandrini-Pastorino, dadas las condiciones impuestas por la producción, parecía el ideal para interpretar a dos de los personajes: Sandrini ya había animado criaturas con cierto contenido dramático, como en El hombre virgen y en Chafalonías. De cualquier modo la empresa suponía un riesgo. Dos textos en el film mismo dan idea de la indefinición genérica en la que se sumía el director: al inicio, tras los títulos de crédito, se lee “Tal vez usted se ría mientras los personajes de esta historia se debaten en procura de estabilidad interior en un mundo hostil y asfixiante. Porque la risa es humana. Porque la risa es resorte de la comprensión”. Y al final, “por un mundo más humano, de hombres que puedan volver a su casa con un poco de alegría en la garganta”.

   Si los artistas no tomaran como una ofensa el término “correcto”, ése sería el adecuado para este producto que si no resultó mejor fue porque EC no tenía el talento necesario como para lograr esa difícil amalgama de comedia con drama que muy pocos creadores en el mundo consiguen. Sin embargo, es preciso decir que por primera vez maneja un texto que habla de sentimientos posibles en el ser humano, sin impostaciones, lugares comunes ni artificios, con criaturas que lucen como de carne y hueso. Además, utiliza encuadres desde el piso para remarcar momentos de reflexión interna de los personajes. Se le escapó, en cambio, el control de la música, una partitura de Tito Ribero que, como casi todas las suyas para cine, suena a ya oída, resulta molesta y rebaja la calidad del conflicto.

   A poco de estrenado, La valija fue noticia por dos motivos:

   1)  A instancias de Daniel Tinayre, Leopoldo Torre Nilsson, Nicolás Carreras y Atilio Mentasti, que hicieron lo que años después sería conocido con el término lobby, el INC decidió enviarlo como representante argentino ante el 19º Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que tendría lugar entre el 7 y el 16 de julio 1971. Su Comité de Selección lo rechazó “por tratarse de una película comercial sin las características que deben reunir las producciones que compiten en San Sebastián”, lo cual resultaba razonable. Las autoridades del INC se mostraron ofendidísimas, ante lo cual el director del Festival, Miguel de Echarri, invitó Crónica de una señora, dirigido por Raúl de la Torre, que obtuvo dos premios.

   2)  Una semana después de estrenado en Buenos Aires, la audición radiofónica Generación espontánea reveló –a partir del llamado de un oyente– que en cines de primera línea se exhibían copias cuyo final mostraba a Sandrini abandonando a la esposa, mientras en los de barrio el final revelaba que la infidelidad de la mujer sólo había sido una pesadilla del marido. El asunto provocó un escándalo de proporciones, que el especialista Homero Alsina Thevenet resumió así: “Los derechos de la adaptación cinematográfica fueron comprados por Argentina Sono Film en 1969, tras haber sondeado la posibilidad de que el asunto fuera aceptado por la censura y por el Instituto de Cinematografía. En junio 1970, la empresa llamó al autor y lo invitó a modificar el final, aparentemente porque el Instituto habría objetado la escena decisiva del perdón: «Es incurrir claramente en apología del pecado». Tras un cambio de ideas, el autor elaboró dos finales sustitutivos. En uno, la esposa corre tras el marido, implorando su perdón, pero la acción termina sin que se conozca la respuesta; en el otro, todo el episodio de la infidelidad es presentado como un sueño del protagonista. Sin que el autor lo supiera, Argentina Sono Film rodó ambos finales. El primero apareció en las copias exhibidas en cines céntricos de Buenos Aires [...]; el segundo fue usado en salas de barrio. Esta dualidad de la empresa y del director fue denunciada pocos días después por Hugo Guerrero Martinheitz, generando una violenta polémica pública en la que también intervinieron Sandrini y Pastorino. Una relación de los hechos fue después publicada en la prensa por el mismo Mauricio, «para que se sepa que soy sonso pero no inmoral»”. Sin embargo, testigos directos de la preproducción, el rodaje y la posproducción cuentan otra historia: el final alternativo fue inventado por EC, quien lo estaba rodando precisamente el día en que Mauricio hizo una de sus habituales visitas. El resto de la historia obedece a la reconstrucción de Alsina Thevenet.

Sandrini, Pastorino

OBS     Los “dos actos sin intervalo” de la pieza fueron estrenados el 4.9.1968 en el Apolo por Nuevo Teatro Cooperativa de Trabajo Limitada, con dirección de Jorge Hacker y actuación de Elsa Berenguer (Luisa), Rubens W. Correa (Horacio) y Héctor Alterio (Osvaldo). Algunos otros montajes: 15.12.1970 en el Florencio Sánchez (Mar del Plata), con Lucrecia Capello, Rubens W. Correa y Domingo Basile; abril 1971 en el Maravillas (Madrid, España), con Carmen Bernardos, Fernando Delgado y Eusebio Poncela, retitulada La maleta; mayo 1971 en el Sullivan (México DF, México), con Carmen Salas y Guillermo Orea (Horacio) y puesta en escena de Carlos Gorostiza; octubre 1973 en el Gramercy Arts (Nueva York, EEUU) en el marco de un festival de Teatro de Repertorio Español, con Amelia Bence, Raúl Dávila y Roberto Antonio; enero 1976 en Hollywood (California, EEUU), con Diana Ingro; septiembre 1976 en Miami y Chicago (EEUU), con Amelia Bence; diciembre 1977 en el CESC Tijuca (Río de Janeiro, Brasil), con Maria Della Costa, Leonardo Vilar y Romulo Marinho; 8.10.1983 en la sala de la Universidad Popular de Belgrano, con Beatriz Urtubey, Luis Iannone y Carlos Parrilla; 9.11.1985 en el Aquelarre (Rosario, Santa Fe), con Susana Freyre, Claudio De Gasperi y Héctor Barreiros; diciembre 1986, en gira, con Susana Freyre y Osvaldo Guidi (Osvaldo); 6.1.1989 en el Piccolo, con Mónica Salvador, Julio De Grazia y José Luis Quiroz). Mereció también al menos una adaptación a la TV: 1996 por el Canal 11 para el ciclo Homenaje al teatro nacional contemporáneo, con Selva Alemán, Jorge Marrale y Facundo Arana.

TAQ     El lanzamiento nacional tuvo lugar el 21.1.1971 en el Opera (Mar del Plata), mientras al mismo tiempo era representada en un teatro local: se mantuvo allí tres semanas en cartel. En la CF fue estrenado con gran pompa y circunstancia, incluyendo la publicación (el sábado 5.6) de un aviso a página entera en Clarín, manteniéndose por tres semanas en el Opera y sumando desde la 2ª (10.6) los cines Mignon, Moreno, Fénix, Gran Odeón, Gran Lugano, Loria y Sáenz + 9, y desde la 3ª (17.6) sólo el Villa Crespo. Luego, desde el 15.7, fue programado en el Victoria y desde el 22.7 en el París, en ambos casos instando al público con avisos que decían “Vea en la misma función los dos finales! Juzgue Ud.!”. El 19.10.1977 le fue concedida su licencia de exhibición en España, pero su estreno en cines “no consta”.

 

La familia hippie
Argentina, 1969
35mm / EastmanColor / RCA / 85’ / ATP

EQ     CP, CD: Argentina Sono Film SACI. JP: Jorge Velasco. [AP: Ricardo Vacas]. D: Enrique Carreras. AD: Orlando Zumpano. [AYD: Teo Kofman]. [PZ: Carmelo Santiago Johnson]. G: Abel Santa Cruz, sobre argumento original [la pieza teatral La cigüeña dijo “sí”] de Carlos Llopis. F: Antonio Merayo. CM: Héctor Collodoro. [FQ: Salvador Paolillo]. [ACM: Jorge Callejas]. [FF: Juan Carlos Moracho]. [JR: Rodolfo Denevi]. [CR: Edmundo Sánchez]. [R: Enrique Alvarez, Manuel Lozada, Ernesto Castelletti, Luis Gago, Roberto Souza, Hugo Toracini y Antonio Salvatore]. E: Gori Muñoz. DC: José Tasín. [U: Carlos Leyes]. [CPT: Leonardo Brughetti]. JPT: David Daich. ASEV: Horace Lannes. [MOD: Beatriz Rocino]. MQ: Vicente Notari. PN: Jorge Catalán. S: Jorge Castronuovo. [AS: Juan Carlos Bertola]. RG: Mario Fezia. C: Jorge Garate. [AC: Higinio Vecchione]. [MERC: Eduardo López]. [CNGT: Nieves Pérez]. M: Tito Ribero. CN: Tengo un mundo de felicidad, de [y por] Palito Ortega; El amor me hace cantar, Como esos barcos que se van y Es el amor, las tres de Palito Ortega, [por Palito Ortega con Los Tíos Queridos], y Siempre estoy enamorado, de [y por] Palito Ortega, todas con orquesta dirigida por Oscar Toscano. [COR: Víctor Ferrari]. [PUB: Berta Esión]. EF, LS: Argentina Sono Film SACI (Martínez, BA). LOC: BA (parque 3 de Febrero en Palermo, avenida Corrientes), GBA (Instituto para Ciegos Román Rosell en San Isidro) y provincia de Córdoba (Villa Carlos Paz). L: Laboratorios Alex [SACI]. FR: 17.11.1969 al 19.12.1969. LC: 25.3.1971, cines Sarmiento, Gran Norte, General Paz, Flores, Cuyo, El Plata, Cervantes, 25 de Mayo y Constitución + 24.

I&P     Palito Ortega (Claudio Vázquez), Angel Magaña (Eduardo Luján) / Olinda Bozán (mucama Felisa) / Elina Colomer (Irene, madre de Claudio y esposa de Eduardo), Estela Molly (Aída Luján, hija de Eduardo y esposa de Claudio), Tono Andreu (abogado doctor Jorge Solís Morán) / Ernesto Raquén (tío Alfredo), Norma López Monet (alumna Edelmira Solís, “Rosa de Fuego”) / Carlos Fioriti (doctor Ibáñez), Celia Cadaval (alumna Marta), Paquita Vehil (profesora Aráoz, directora del Instituto Cultural), Marta Kelly (alumna Amelia), Liliana Benard (alumna Fornaresio), Marta Cipriano (enfermera), Liliana Abayieva (alumna Patricia) / Aurora del Mar (la mucama de arriba), Lily Vicet (celadora) / Los Tíos Queridos [Joe Borsani, Miguel Angel Lara, Elena Motti, Isabel Motti] (matrimonios amigos de Claudio y Aída) / na Irma Ferrazzi y María Esther Lovero (alumnas), Roberto Braceras, Adelino Siffredi, Francisco Martino, Oscar France y Raúl Schiavo (cinco profesores), Nora Samsó (espectadora del zapato equivocado), Lisandro García Tuñón y Reina del Carmen (espectadores), Mariana Karr (vendedora de la tienda), Marisa Grieben (secretaria de la profesora Aráoz), Kitty Andrade (vendedora de la juguetería), Juan José Paladino (Alejandro Becerra, profesor de Literatura), María del Pilar (Rosario, esposa de Solís Morán) / aana Juan Carlos Moracho (portero del Instituto Cultural), Jorge Velasco (paseante en Villa Carlos Paz).

 

La valija
Argentina, 1970
35mm / EastmanColor-B&N / RCA / 85’ / PM14

EQ     CP, CD: Argentina Sono Film SACI. JP: Jorge Velasco. [AP: Ricardo Vacas]. D: Enrique Carreras. AD: Orlando Zumpano. [AYD: Teo Kofman]. [PZ: Carmelo Santiago Johnson]. G: Julio Mauricio [sobre su pieza teatral]. F: Antonio Merayo. CM: Alberto Curchi. [FQ: Salvador Paolillo]. [ACM: Carlos Stevani (h)]. [FF: Juan Ritter]. [JR: Rodolfo Denevi]. [CR: Edmundo Sánchez]. [R: José López, Luis Gago, Antonio Salvatore, Enrique Alvarez, Manuel Lozada, Hugo Toracini y Miguel D'Alessandro]. E: Gori Muñoz. DC: José Tasín. [U: Leonardo Brughetti]. [CPT: Carlos Leyes]. JPT: David Daich. ASEV: Horace Lannes. [MOD: Beatriz Rocino]. MQ: Vicente Notari. PN: Jorge Catalán. S: Jorge Castronuovo. [AS: Juan Carlos Bertola]. RG: Mario Fezia. C: Jorge Garate. [AC: Higinio Vecchione]. [MERC: Eduardo López]. [CNGT: Nieves Pérez]. M: Tito Ribero. [PUB: Berta Esión]. EF, LS: Argentina Sono Film SACI (Martínez, BA). LOC: BA (estación Plaza de Mayo y a bordo del subterráneo línea A; barrio de la Boca). L: Laboratorios Alex [SACI]. FR: 22.6.1970 al 28.7.1970. LC: 3.6.1971, cines Opera, Pueyrredon, Argos, Majestic, Gran Savoy, Select Buen Orden, Lope de Vega, Alberdi, El Nilo y Rialto + 29.

I&P     Luis Sandrini (Osvaldo Oliva) / Malvina Pastorino (Luisa, esposa de Osvaldo), Alberto Martín (Horacio Herrera) / Edith Boado (oficinista Aída), Isidro Fernán Valdéz [Valdés] (Fortunati, jefe de Osvaldo), Ernesto Raquén (Roger), Aurora del Mar (oficinista Rosa – doblaje de Beatriz Solari), Rodolfo López Ervilha (gerente) / Roberto Braceras (empleado canoso), Estela Vidal (florista), Antonio Kazán y Francisco Martino (oficinistas), Reyna Salvatierra [Reina del Carmen] (gorda en el subterráneo que ojea el diario de Osvaldo), Celin Klaus (oficinista) / na  Raúl Lucioni (pasajero barbudo del subterráneo), Manuel Rolán (pasajero gordo del subterráneo), Atilio Regoló (pasajero viejo del subterráneo), Alfredo de Vega (pasajero del subterráneo), Cristina de Carli, Diana Wolansky, María Esther Trueba, Oscar Zaccari, Sergio Gebhardt, Hugo Marotte, Alba Rosa Millán, Lydia Fernández, Elizabeth Zoloaga, Susana Mederos, María Visoso, Andrea Karhem y Liliana Broitman (trece oficinistas), Beatriz Solari (profesora de gimnasia por TV), Carlos Membrives (pibe diariero) / aana Angel Magaña (don Antonio, encargado del edificio en el que viven los Oliva), Ricardo Vacas (muchacho que tropieza con Osvaldo), Jorge Velasco y Orlando Zumpano (pasajero del subterráneo), Enrique Carreras (pasajero subiendo al subterráneo, con gamulán marrón, detrás de Luisa y Horacio), Juan Ritter (oficinista), Mercedes Carreras (voz off por TV que ofrece una receta de cocina).

F&P     ACCA: premio al film (ex aequo con Nosotros los monos), al director (ex aequo con Fernando Ayala por Argentino hasta la muerte y con Edmund Valladares por Nosotros los monos), al guión adaptado, al actor (Luis Sandrini) y a la actriz (Malvina Pastorino).

CINEASTAS

Mario Sabato

[Mario Sabato Kusminsky Richter;
La Plata, Buenos Aires, 15.2.1945 / Buenos Aires, 3.6.2023]

“No hay barniz capaz de ocultar el grano de la madera,

y cuanto más barniz se pone, más sale y se destaca el grano”.

Dickens, Great expectations (1861).

Con Adrián Ferrario

en el rodaje de Tiro al aire

Los inicios de “Marito” Sabato en la industria del cine tuvieron lugar en la empresa Sucesos Argentinos Editorial Film SACI, que producía noticiarios y documentales: ingresó allí a poco de terminar sus estudios secundarios –que cursó en el prestigioso Colegio Nacional de Buenos Aires, donde además ejerció una fugaz militancia– y pronto fue extendiendo sus actividades al cine industrial. El 15.12.1970 dio comienzo al rodaje de su primer largometraje, Y que patatín, y que patatán, cinco episodios en torno a la niñez, en el que tuvo la invalorable ayuda financiera de Leopoldo Torre Nilsson y que fue exhibido en la Mostra de Venecia tan luego en una edición (la de 1971) en la que no se acordaron premios. El film sorprendió por su frescura y por su inmersión en una temática poco frecuentada por el cine argentino.

Juancito Sabato entre los globos

   Su obra para cine es –por decirlo de manera elegante– ecléctica: 7 de sus 16 largos son basura industrial genérica (Andrea del Boca, súperagentes, Parchís), en su mayor parte firmados con pseudónimo (Adrián Quiroga, que era el nombre del protagonista de Los golpes bajos). De los siete restantes el mejor es precisamente Los golpes bajos, financiado por la RAI italiana: en su descarnado, hiperrealista retrato de un boxeador calcado del “Mono” Gatica se colaban reflejos del entonces autopercibido “peronismo revolucionario” y de las villas miseria en las que actuaba, en este caso con rodaje en la conocida como Puerta 8, en Campo de Mayo. En 1979 concretó El poder de las tinieblas, oscura adaptación de apenas un capítulo de Sobre héroes y tumbas, “el” libro de Ernesto Sabato (1911-2011, su padre), film que análisis posteriores han querido leer como una alegoría de la dictadura militar de la época pero que en su momento, una vez despojado de su aura de grandeza literaria prestada, resultó apenas un efectivo thriller con impronta de tvmovie. Tras muchos años de inactividad en cine, en 1995 realizó Al corazón, que a pesar de su condición de producto reciclado (se trata del montaje de imágenes tangueras) y con aires for export ofrece una entrañable inmersión en el viejo cine argentino de los 30 y los 40, hábilmente editado.

   Una mirada panorámica a la filmografía de Sabato revela que su principal interés ha sido el mundo de la infancia y la adolescencia, advertible en ocho de sus largos: niños y adolescentes, con preferencia varones, desde el múltiple protagonista de su opera prima hasta el grupo musical español Los Parchís, con destaque para el de Tiro al aire. Acaso en busca de material dramático-ambiental para sus proyectos, solía visitar aquellos primeros locales de videojuegos que pululaban en los altos de algunos locales de la peatonal calle Lavalle en los años 80. En marzo 1982, Marito permaneció tres días detenido por supuesta corrupción de menores, según acusación de un adolescente de 15 años; lo liberaron por falta de mérito y con una ayudita de papá. Un muy temprano testimonio de esa preferencia temática lo ofrece su poema En forma de ronda, publicado a sus 17 años en la revista El Escarabajo de Oro (nº 15, octubre-noviembre 1962).

Con su padre y Sergio Renán

   Fue, además, director editorial de la revista Cine Libre, que publicó cinco números en 1982-1983; amigo dilecto y colaborador habitual de Sergio Renán; gerente artístico del Canal 7 de TV durante siete meses de 1985, cargo para el que fue designado por el gobierno radical de Raúl Alfonsín; productor y letrista de las canciones de la banda de rock Ojalá, que debutó el 2.4.1998 en el Hard Rock Café y que, entre otros seis adolescentes de entre 12 y 16 años, integraban sus hijos Juan (en bajo) y Guido (como director musical); y autor de la novela India Pravile (2005), derivada de su film de igual título, y del libro de memorias El imposible olvido (2018). Con el video de largometraje Ernesto Sabato, mi padre (2007) escribió un nuevo capítulo de su permanente sumisión artística y personal a tamaño pariente, lo que los franceses denominan fils à papa.

   Su sobrino Juancito protagonizó sus dos primeros largos, y otros Sabato (Mariano, Elena, Juan) han colaborado en algunos de los restantes. Marito tuvo un hermano mayor e inteligente, Jorge Federico Sabato, abogado, investigador en Ciencias Políticas, profesor en la Facultad de Ciencias Económicas y en la de Ingeniería y, durante la gestión Alfonsín, asesor presidencial, secretario de Estado de Relaciones Exteriores para Asuntos Especiales de la Cancillería y finalmente ministro de Educación y Justicia.

FILMOGRAFIA

01.  Y que patatín, y que patatán (1970-1971) 16mm-35mm x 35mm, B&N, 80’. CP: Producciones Mario Sabato. PA: Leopoldo Torre Nilsson. G: MS, con la colaboración de Mario Mactas. F: Julio Du Plaquet. I: Juancito Sabato, Héctor Alterio, Elena Cruz, Cipe Lincovsky, Sergio Renán, Walter Santa Ana, Fernando Siro, Walter Vidarte, Julia von Grolman. LC: 30.9.1971. Dividido en cinco episodios: 1. El juego solitario; 2. Sexo, lujuria y perversión; 3. Diferente; 4. Piedra blanca cayendo cayendo en un pozo negro; 5. ¡Muerte! ¡Muerte! [+ CM y voz off de un locutor radiofónico].

02.  Hola señor león! (1972) 16mm x 35mm, C, 70’. CP: Brama Producciones Cinematográficas. P: Juan Carlos Ciancaglini y Egon Cicklai. G: Mario Mactas y MS. F: MS. I: Juancito Sabato. LC: 6.9.1973. [+ CM y AANA como él mismo].

03.  Los golpes bajos (1972) 16mm x 35mm, C, 95’. CP: Producciones Mario Sabato. P: Alberto Luna y Roberto Savio. G: MS y Mario Mactas, sobre argumento de MS. F: Julio Du Plaquet. I: Aldo Barbero, Walter Vidarte, Héctor Alterio, Ana María Picchio, Hugo Arana, Adrián Ghío, Emilio Disi. LC: 14.2.1974. [+ CM y voz off del “animador del Club Bella Vista”].

04.  Un mundo de amor (1974-1975) 35mm, C, 85’. CP: Cinematográfica Sudamericana SA. P: Emilio Spitz. G: MS, sobre argumento de Diego Santillán y Luz Tambascio. F: Américo Hoss. I: Andrea del Boca, Ubaldo Martínez, Miguel Ligero, Nelly Beltrán, Betiana Blum, Blanca Lagrotta, Augusto Codecá. LC: 17.7.1975. [+ letrista de las CN]

05.  Los súperagentes biónicos (1977) 35mm, C, 90’. CP: Cinematográfica Sudamericana SA. P: Emilio Spitz. D: Adrián Quiroga [MS]. G: Salvador Valverde Calvo. F: Leonardo Rodríguez Solís. I: Ricardo Bauleo, Víctor Bo, Julio De Grazia, Gachi Ferrari, María Noel. LC: 11.8.1977. [+ AANA como un transeúnte atravesando un puente].

06.  Los súperagentes y el tesoro maldito (1977) 35mm, C, 85’. CP: Productores Americanos SA. P: Emilio Spitz. D: Adrián Quiroga [MS]. G: Salvador Valverde Calvo. F: Leonardo Rodríguez Solís. I: Ricardo Bauleo, Víctor Bo, Julio De Grazia, Osvaldo Terranova, Jorge Salcedo, Nathán Pinzón. LC: 3.8.1978.

07.  El poder de las tinieblas (1979) 35mm, C, 90’. CP: Productores Americanos SA. P: Emilio Spitz y Jaime Blufstein. G: Ricardo Monti y MS, sobre el capítulo Informe sobre ciegos de la novela Sobre héroes y tumbas, de Ernesto Sabato. F: Leonardo Rodríguez Solís. I: Sergio Renán, Leonor Benedetto, Osvaldo Terranova, Franklin Caicedo, Carlos Moreno, Nelly Prono, Cristina Banegas, Graciela Dufau, Enrique Fava. LC: 14.6.1979. [+ CM].

08.  Tiro al aire (1980) 35mm, C, 105’. CP: Rey Films Cinematográfica SRL. G: MS. F: Leonardo Rodríguez Solís. I: Héctor Alterio, Graciela Dufau, Antonio Gasalla, Graciela Alfano, Aldo Barbero, Héctor Bidonde, Julio De Grazia, Diana Ingro, Enrique Pinti, Rodolfo Ranni, Elena Sédova, Fernando Siro, Luis Tasca, Marcos Zúcker, Adrián Ferrario. LC: 2.10.1980. [+ AANA como “Marito, ejecutivo del Canal”].

09.  Los Parchís contra el inventor invisible (1981) 35mm, C, 86’. CP: Productores Americanos SA. P: Emilio Spitz y Jaime Blufstein. D: Adrián Quiroga [MS]. G: Víctor Proncet y Adrián Quiroga [MS]. F: Leonardo Rodríguez Solís. I: Los Parchís, Julio De Grazia, Javier Portales, Carlos del Burgo, Adrián Ferrario, Roberto Carnaghi. LC: 9.7.1981. [+ voz off del súperjefe].

10.  La magia de Los Parchís (1981) 35mm, C, 90’. CP: Productores Americanos SA. P: Emilio Spitz y Jaime Blufstein. D: Adrián Quiroga [MS]. G: Víctor Proncet y Adrián Quiroga [MS]. F: Leonardo Rodríguez Solís. I: Los Parchís, Raúl Rossi, Javier Portales, Nelly Beltrán, Maurice Jouvet. LC: 7.1.1982. [+ AANA como “operador de cámara en la filmación”].

11.  Las aventuras de Los Parchís / La gran aventura de Parchís (A/E, 1982) 35mm, C, 90’. CP: Producciones del Plata SA / Producciones Cinematográficas Arturo González SA (Madrid). P: Emilio Spitz y Jaime Blufstein. D: Adrián Quiroga [MS]. G: Adrián Quiroga [MS], Daniel Pires Mateus y Mauricio Belek. F: Leonardo Rodríguez Solís. I: Los Parchís, Javier Portales, Matilde Mur, Juan Carlos Ricci, Lidia Catalano. LC: 15.7.1982.

12.  Súperagentes y titanes (1982-1983) 35mm, C, 87’. CP: Producciones del Plata SA. P: Emilio Spitz y Jaime Blufstein. D: Adrián Quiroga [MS]. G: Salvador Valverde Calvo. F: Héctor Collodoro. I: Julio De Grazia, Víctor Bo, Julieta Magaña, Juan Carlos Thorry, Juan José Míguez. LC: 21.7.1983. [+ AANA como “un miembro del equipo de filmación”].

13.  Al corazón (1995) 35mm, C-B&N, 92’. CP: Imagen Satelital SA. P: Alberto González. G: MS, sobre investigación y textos de Irene Amuchástegui y MS. F: Sergio Dotta. I: Sergio Renán, Adriana Varela. LC: 6.6.1996. [+ AANA como él mismo].

14.  India Pravile (2002) 35mm, C, 96’. CP: Mario Sabato-Guillermo Szelske. PE: Guillermo Szelske. G: MS. F: Sergio Dotta. I: Lito Cruz, Carlos Moreno, Carola Reyna, Graciela Pal, Diego Capusotto, Nicolás López Padín. LC: 25.9.2003.

15.  Ernesto Sabato, mi padre (2007) VDAD x DCP, C-B&N, 101’. CP: Betaplus Broadcasting. P, G: MS. F: Martín Chirinos. LC: 25.3.2010. Documental. [+ C].

16.  El San Martín –Algunos momentos de sus primeros 50 años– (2011) VDAD x DCP, C-B&N, 78’. CP: Complejo Teatral de Buenos Aires. I: Víctor Laplace. Documental institucional cuyos créditos no acreditan productor, guionista ni DF.

Cortos: El nacimiento de un libro (1963: + G), El juego solitario (1968: + G), Permanencia (1969), Juegos (1969-1970, dirigido con Pablo Szir: + CM), Nacimiento (1974).

Otras actividades en cine: SCD en La herencia (Ricardo Alventosa, 1962) / texto de Carta de Ramona (Alejandro Malowicki, 1966, corto) / AANA como “pasajero en la última fila del colectivo, leyendo un diario” en La tregua (Sergio Renán, 1974) / G de La fiesta de todos (Renán, 1978) y Sentimental –Réquiem para un amigo– (Renán, 1980) / TEST en Dirigido por... (Rodolfo Durán, 2003), Miguel Rodríguez –Artista de la luz– (Ricardo Wulicher, 2007), Alex, usina de talentos (Roberto Bernardis, 2012, corto) y Cine de pueblo (Sebastián Hermida, 2014).

Actividad en TV: AP de Los argentinos (1965, Canal 11, semanal) / Para Las grandes versiones (1969, Canal 7): adaptador de Drama na ojote de Chéjov / Para Las grandes novelas (1970, Canal 7): adaptador de Le rouge et le noir de Stendhal, The man that corrupted Hadleyburg (El hombre que corrompió una ciudad) de Twain, The picture of Dorian Gray de Wilde y Wuthering Heights de Emily Brontë / Para Los grandes relatos (1971, Canal 7): El túnel de Sabato, Macabeo de Abelardo Castillo, El banquete de Severo Arcángelo de Marechal y Un perfecto día de playa de Rozenmacher / Para Las grandes novelas (1971, Canal 7): adaptador de The strange case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde de Stevenson / Para Las grandes novelas (1972, Canal 7): Rosaura a las diez de Denevi y La peau de chagrin de Balzac / D de los unitarios Viaje a las tierras sin nombre (1976, para la RAI) y Ernesto Sabato, 80 años –Momentos de la travesía– (10.7.1991, Canal 13) / adaptador con Rubén Tizziani y puesta en escena de El túnel de Sabato (1980, Canal 13, unitario) / libretista del ciclo Cerebro mágico (1991, Canal 2) / D del ciclo Libre-mente (1999, Canal 2) / D y adaptador de Visita de Ricardo Monti (20.12.2001, Canal 7, para el ciclo Cuentos de película) / D de Uno de dos de Manuel Peyrou (2004, Canal 2, unitario, para Quinto mandamiento).

Actividad radiofónica: conductor de Ramos generales (LS1 Municipal).

FILMS

El gran secreto

Se trata de un melodrama “de hermanas” en el que Mecha Ortiz es estéril aunque su esposo no lo sabe y en el que Nuri Montsé es soltera y espera un hijo de un amante ocasional: no es difícil imaginar el resto, que incluye una sustitución y un intento de asesinato. Historiadores e investigadores de la letra chica del cine nacional nunca tuvimos la certeza de que los créditos mencionaran a Gina Kaus, la autora del asunto, renuncio que eventualmente se habría transmitido a las informaciones de prensa, de allí a los cronistas que debieron juzgarlo y a la eternidad misma: de hecho, todas las críticas contemporáneas (el Heraldo menciona apenas una “novela francesa” y agrega que se trata de una nueva versión de Conflict, del que “se ha seguido fielmente el encuadre excepto en las escenas finales”) y más adelante Di Núbila y los libros, diccionarios y biografías (como la de Mecha Ortiz, por ejemplo) que se han publicado desde aquellos lejanos días mencionan sólo a Léonide Moguy como autor del argumento original, omitiendo, además, a su coguionista Hans Wilhelm.

Nuri Montsé y Mecha Ortiz

   Sin embargo, a poco de indagar en el tema –y, cabe aclararlo, mucho antes de que existiera la internet, en caso de que el dato aparezca allí–, la historia se revela distinta. Gracias al héroe Fernando Martín Peña una copia –en pésimo estado, hay que decirlo– fue descubierta y exhibida tan sólo en 2026 y entonces se pudo constatar que Gina Kaus sí figura debidamente acreditada, aunque sólo como aportando “una idea”; como sea, la deducción más atinada es que los críticos que lo comentaron en su estreno en 1942 llegaron al Ambassador una vez comenzada la proyección, estaban distraídos mientras pasaban los títulos o bien eran ciegos y además olvidadizos, puesto que Conflict había sido estrenado el 26.9.1939 en el cine Broadway con el debido crédito autoral.

   El francés Rémy, que llegó a la Argentina en 1941, trajo consigo el guión de su primer trabajo como asistente de dirección, Conflict, que Moguy había dirigido y adaptado de esa novela (Die schwersten Kleh, 1933) de Kaus, film en el que el director de producción fue Michel Koustoff, a la sazón también anclado en Buenos Aires y coproductor de El gran secreto. Así, puede decirse que ambos fueron cómplices en el semi-ocultamiento del nombre de Kaus, que era una escritora muy popular y cobraba fortunas por los derechos de sus atractivas historias: más económico era atribuir todo el asunto a Moguy, que tampoco debe haber cobrado un franco por su adaptación de la novela. El nombre de Gina Kaus, sin embargo, será reivindicado más adelante, cuando Luis Saslavsky dirija otro de sus asuntos con el título Camino del Infierno (1945), en el que, por cierto, también actuaba Mecha Ortiz.

De pie, a la izquierda, Agustín Barrios y Carlos Morganti;

sentadas, Isabel Figlioli y Mecha Ortiz

   Ochenta y pico de años más tarde, la visión ¡al fin! de El gran secreto resultó una gran decepción: Rémy no respondía a la fama que él mismo se labró, los actores lucen acartonados y hasta indecisos, se advierten demasiadas tomas de sus espaldas (y no como un recurso dramático sino apenas como una torpeza técnica) y todo tiene un aire de improvisación, puesto que fue una producción independiente, al margen de las compañías más importantes. Pero pudo ser vista, y ello disculpa todo el resto.

OBS     Opera prima del francés Jacques Rémy (Jacques Rémy-Assayas; París, 17.8.1910 / 1.12.1981) y único que dirigió en la Argentina, así como única producción de Comedia, sociedad entre el argentino Kazansky y los franceses Koustoff y Schaeffer. En los papeles, Rémy debía dirigir en los estudios Baires un asunto titulado “Historia de amor”, producido por una empresa cuyas siglas eran SICA y con un elenco encabezado por Elisa Galvé, Oscar Valicelli, Ernesto Vilches y Ricardo Canales, proyecto que se frustró en el último minuto. El gran secreto fue el primero de los dos únicos films en cuyo guión intervino el escritor Tulio Carella: el otro es Mi divina pobreza (Alberto D’Aversa, 1951) [sobre Carella, véanse páginas 248 a 254 de Historia de la homosexualidad en la Argentina, de Osvaldo Bazán]. Hay otras versiones de la novela de la popular escritora austríaca Gina Kaus (1893-1985), que en idioma inglés fue publicada con el título Dark angel: Conflict (Conflicto, Léonide Moguy, F, 1938) y Her sister’s secret (Edgar G. Ulmer, EEUU, 1946).

Nancy Coleman y Margaret Lidsay

en la versión Ulmer de la novela

SIC     El productor propietario de la película argentina – El gran secreto – con Mecha Ortiz-George Rigaud – vende todos los derechos para Argentina y exterior con negativo y copias – Dirigirse: Fascetto – Ayacucho 417 – T.E. 47-1136. [Aviso publicitario en Heraldo del Cinematografista, 2.1.1957, que ejemplifica cómo han ido desapareciendo muchos films. Fascetto era Angel Fascetto, notorio distribuidor y exhibidor].

El gran secreto
Argentina, 1942
35mm / B&N / RCA / 77’ / IM16

EQ     [CP: Comedia Films]. P: Miguel Kazansky. [PA: Michel Koustoff y Pierre Schaeffer]. DP: Miguel [Michel] Koustoff. JP: León Sklarz. AdelDP: Juan [Jean] de Bravura. SCP: Antonio Campos. D: Jacques Rémy. AD: Alberto de Núñez. AYD: Dorian. PZ: [Nicolás] Oscar Nelson. G: Tulio Carella, sobre argumento [adaptación] de Léonide Moguy [y Hans Wilhelm] desarrollado sobre una idea [la novela Die schwersten Kleh], de Gina Kaus. F: Pablo Tabernero. CM: Julio [César] Lavera. FQ: Jorge Ferreira [Ferreyra]. [FF: Wilensky]. E: Ralph Pappier. DC: Enrique Joly. MQ: Luis Lang. PN: Julio Alcaraz. S: Germán Szulen [Szulem]. AS: Jorge Castronuovo. C: Gerardo Rinaldi. [AC: Elisa Bugarín]. M: Jorge [George] Andreani. EF: Pampa Film (Martínez, BA). LOC: BA (Obelisco, calles) y GBA (calles). L: Laboratorios Cinematográficos Biasotti. FR: 30.3.1942 al 17.5.1942. CD: Generalcine Distribuidora Cinematográfica Argentina. LC: 21.7.1942, cine Ambassador.

I&P     Mecha Ortiz (Alicia Ortega) / Jorge Rigaud (Miguel Lafuente, marido de Alicia) / Nury [Nuri] Montsé (Clara Ortega), Carlos Morganti (juez) / Homero Cárpena (prestamista), Hugo Pimentel (Gerardo, el seductor de Clara), Isabel Figlioli (Margarita Terán, la cordobesa), Alberto Terrones (Gerardo Ortega, padre de Alicia y Clara), Tito Urquiola (Roberto, novio de Clara), Agustín Barrios (secretario del juez), Elvira Quiroga (Paulina, amiga de Gerardo en el baile), María Goicoechea (Sabina, la nurse) / na Pedro Martín Kreisler (niño Mario, hijo de Clara), Margarita Burke (hermana de Margarita), Félix Tortorelli (médico doctor Alsina), Warly Ceriani (segundo médico). [Personajes en busca de actores: mayordomo Gustavo / niñera / abogado de Alicia / enfermera / abortera / tercer médico, en Córdoba / asistente del prestamista / mucama joven de Alicia].

F&P     2ª Semana de Cine Recuperado “Más Allá del Olvido”, BA, 14-20.1.2026.